Kate Winslet, la actriz que se negó a convertirse en estrella

Lleva más de media vida explicándole a Hollywood que ella no es la mujer del vestido azul. Aquella foto que recorrió el planeta a finales de los noventa —Rose DeWitt Bukater en la proa de un transatlántico que no iba a hundirse, iluminada como una santa prerrafaelita— era una imagen capaz de decidir una carrera por ti. La mayoría a los veintidós años habría firmado el contrato. Winslet lo leyó, cobró el cheque de la película y convirtió las tres décadas siguientes en un rechazo paciente a cualquier otra oferta escrita con la misma letra.

Venía del circuito de repertorio de Reading, un pueblo de Berkshire sin salida obvia hacia el cine, en una familia ya metida en el oficio. Sus abuelos manejaban el Reading Repertory Theatre y su padre actuaba en provincias. A los diecisiete consiguió un papel en una película neozelandesa de un Peter Jackson todavía desconocido; ese film, Criaturas celestiales, la puso en los festivales y en el radar de los castings norteamericanos. Llegó a Hollywood prefiriendo el cine británico de autor —enseguida vino Sensatez y sentimientos, de Ang Lee— y entró a Titanic con un guion que le gustaba, un director en el que confiaba y ni idea de que la película seguiría encima de la taquilla mundial cuatro años después.

Lo que hizo con esa visibilidad es el verdadero tema de cualquier biografía suya. La década que siguió a Titanic se lee como una lista de rechazos: Hideous Kinky en el desierto marroquí, Holy Smoke! con Jane Campion en el outback australiano, Quills como la lavandera de Charenton, Iris como la mente moribunda de Iris Murdoch. Ninguno era vehículo de estrella. Todos eran el trabajo de una actriz que parecía estar audicionando, proyecto por proyecto, para otra carrera distinta.

El ciclo de cine de autor de mediados de los dos mil fue el que la alcanzó con el calendario de premios. Michel Gondry la puso frente a Jim Carrey en Eterno resplandor de una mente sin recuerdos y la dejó pintarse el pelo en cámara. Todd Field la dirigió en Pecados íntimos como una madre suburbana pensando una infidelidad con una precisión que el guion casi no permitía. Sam Mendes, con quien entonces estaba casada, la dirigió en Sólo un sueño como la mitad Frank Wheeler de un matrimonio que Mendes filmaba como su propia disolución. Y Stephen Daldry la eligió en El lector como Hanna Schmitz, una antigua guardia de campo de concentración discutiendo con su propio analfabetismo y su propia culpa: el papel que le dio el Óscar a la mejor actriz que llevaba sin tocar desde su primera nominación a los veintidós.

Salió de ese periodo con el Óscar que había fingido no querer y renunció en seguida a la posibilidad de usarlo. Los años siguientes se rompieron en piezas deliberadamente no-hollywoodenses: Mildred Pierce, en HBO, planchando y sirviendo mesas durante cinco capítulos en plena Depresión —y se llevó el Emmy por ello—; Steve Jobs con guion de Aaron Sorkin y Danny Boyle dirigiendo, como Joanna Hoffman frente al Jobs de Michael Fassbender, la única persona del cuarto que no le tenía miedo; la segunda Avatar con James Cameron, donde su única aportación a la promoción fue una apnea récord de siete minutos bajo el agua. Y cuando le cayó encima la segunda vida en televisión de prestigio —Mare of Easttown en 2021— la aceptó con la condición de que el montaje no le borrara las arrugas alrededor de los ojos.

Ese detalle es el argumento que atraviesa todo lo que ha hecho desde Titanic. Winslet lleva tres décadas en una discusión pública, a veces fea, a veces graciosa, con la manera en que el cine en inglés fotografía a sus protagonistas mujeres. Rechazó retoques en portadas de revista. Rechazó bajar de peso por papeles. Rechazó que le simetricen la cara en primer plano. Habló en público de los tabloides que decían que estaba demasiado gorda para ser Rose, del fotógrafo de rodaje que la seguía con una tabla de calorías y de la decisión, en los primeros dos mil, de trabajar simplemente con directores que vieran la misma cara que ella. La línea que va de Hideous Kinky a Lee —encarnando a la corresponsal de guerra Lee Miller cubierta del barro de Dachau, fotografiando los cadáveres— es la línea de una actriz que prefiere ser la peor vestida de la conferencia de prensa antes que volver a ser la portada de la campaña que la vendió en 1998.

Lo interesante es lo que esa discusión le permitió hacer en los últimos dos años. Produjo y protagonizó Lee, la película sobre Lee Miller que llevaba casi una década intentando sacar adelante. Encarnó a la canciller en deterioro de una autocracia ficticia en The Regime, de HBO, una comedia política infravalorada que disfrutó claramente. Y en diciembre de 2025 estrenó Goodbye June en Netflix: su debut como directora, con guion de su propio hijo Joe Anders, producida con Kate Solomon —su socia en Lee— y reparto formado por Helen Mirren, Toni Collette, Andrea Riseborough, Timothy Spall y ella misma. La premisa —hermanos reuniéndose alrededor de una madre que se está muriendo en Navidad— viene casi literalmente de la muerte de su propia madre, Sally Anne Bridges, de cáncer de ovario en 2017. Intentó sacarse del reparto. No pudo, según contó, hacer tres trabajos a la vez.

Los próximos dos años ya están escritos. Está en preproducción de El Señor de los Anillos: La Cacería de Gollum, de Andy Serkis, con rodaje en Nueva Zelanda desde fines de mayo de 2026: la primera vez que trabaja dentro del círculo de Peter Jackson desde Criaturas celestiales, más de treinta años después. Todd Haynes, que la dirigió en Mildred Pierce, está adaptando para HBO la novela Trust, de Hernan Diaz, con ella como protagonista. Y le dijo a Deadline a comienzos de este año que hay una ‘alta probabilidad’ de que Mare of Easttown vuelva con una segunda temporada en 2027 si HBO se anima. Vive a las afueras de Londres con Edward Abel Smith, su tercer marido, y sus tres hijos —uno de los cuales ahora le escribe las películas— con la certeza adulta de que la actriz de la proa del barco nunca fue la actriz en la que se iba a convertir.

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