Alex Katz, el pintor norteamericano que hizo de la superficie su argumento

Alex Katz

Photo: Unknown / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	24 de julio de 1927 Brooklyn, New York, United States
Ocupación	Pintor
Premios	John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1972) · American Academy and Institute of Arts and Letters (1988) · Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (2007) · National Medal of Arts (2024)

La pregunta que Alex Katz nunca se molestó en responder era la que la pintura estadounidense pasó los años cincuenta y sesenta insistiendo que era la única que valía la pena: ¿qué significa pintar desde adentro hacia afuera? Los expresionistas abstractos tenían una respuesta — gesto, escala, necesidad psíquica. Katz tenía otro proyecto. Quería pintar el rostro de Ada exactamente como aparecía bajo la luz de la tarde, y no le interesaba particularmente teorizar al respecto.

Lo que hacía era más difícil de descartar de lo que parecía. El mismo año en que las pinturas de goteo de Jackson Pollock dominaban la conversación, Katz desarrollaba un estilo que aplanaba todo — forma, sombra, jerarquía — en grandes campos de color interrumpidos por el contorno específico de un rostro, un árbol, un vestido de fiesta. Creció en Queens, hijo de inmigrantes judíos de Odesa. Su padre había tenido una fábrica allí antes de que la revolución soviética terminara ese capítulo de la historia familiar. Katz estudió en Cooper Union a finales de los años cuarenta, y luego pasó un verano formativo en la Skowhegan School en Maine, encontrando un paisaje al que regresaría el resto de su vida. Su primera exposición individual fue en 1954 en la Roko Gallery. En la década siguiente, destruyó aproximadamente mil lienzos — no por desesperación sino por precisión. Buscaba algo específico y desechó todo lo que no lo era.

Lo que encontró fue un modo de pintar que debía tanto a los grabados japoneses y al cine como a la tradición estadounidense. Las obras a gran escala que comenzó a producir a principios de los sesenta tenían la certeza gráfica de los carteles. The Black Dress (1960) mostraba a Ada seis veces en el mismo vestido negro de cóctel, dispuesta como una hoja de contactos cinematográficos. The Red Smile (1963), de casi tres metros de ancho, colocaba su perfil contra una extensión de rojo que funcionaba menos como fondo que como atmósfera — el color de una habitación de la que no podías salir. Blue Umbrella I (1972) subió la apuesta aún más, alcanzando dimensiones que la acercaban más a la arquitectura que a la pintura. El Katz más caro en subasta, superó los tres millones de libras esterlinas. Nada de esto vino de perseguir el mercado. El mercado llegó lentamente, a lo largo de décadas, y encontró a un pintor que había estado haciendo los mismos movimientos calculados todo el tiempo.

Las ambiciones públicas también fueron literales. En 1977, Katz instaló una valla publicitaria en Times Square: 23 retratos de cabezas que abarcaban 247 pies, a 20 pies de altura. Tres años después completó un mural para el Edificio del Fiscal de los Estados Unidos en Foley Square. La obra se expandía hacia afuera mientras su lógica seguía siendo enteramente interior — rostros, lugares, luz.

Ada Del Moro, a quien Katz conoció en una inauguración de galería en 1957 y con quien se casó el 1 de febrero de 1958, se convirtió en el tema de más de 250 retratos a lo largo de su matrimonio. Es una de las mujeres más pintadas en la historia del arte estadounidense, sin embargo, las pinturas resisten la interpretación psicológica de una manera que ha incomodado a los críticos. No te dicen lo que Ada está pensando. Te dicen lo que la luz estaba haciendo en el momento en que Katz miró. Si eso es una limitación o un principio ha sido el debate central sobre su obra durante 60 años.

Ese debate vale la pena examinarlo directamente. La planitud afectiva en los retratos de Katz — la superficie que da información sobre la postura, el color y el corte de un abrigo pero retiene el drama interior que la pintura al óleo históricamente debe revelar — a algunos críticos les parece evasión. Robert Storr identificó en la obra “un tipo nuevo y distintivo de realismo en el arte estadounidense que combina aspectos tanto de la abstracción como de la representación”, que es una forma de describirlo. Otra es que Katz encontró la manera de hacer que el espectador suministre la psicología que el pintor retuvo, y que ese acto de retener es en sí mismo una forma de control. Las pinturas no confían. Presentan.

Desde 2022 ha estado trabajando a partir de fotografías de iPhone — el mismo ojo analítico aplicado a un nuevo material fuente. La serie Four Seasons, mostrada en SCAI PIRAMIDE en Tokio en el verano de 2025, tradujo instantáneas de Maine a lienzos a gran escala con la misma claridad rectora que ha aplicado a todo. Una serie de lotos blancos siguió, esta vez a partir de fotografías de playas de Maine. A finales de 2025, nuevas pinturas en Gladstone Gallery en Nueva York exploraron una sola naranja sobre fondo blanco — caminos de Maine, reducidos a su temperatura esencial.

Cumplió 99 años el 24 de julio de 2026. En los meses alrededor de ese cumpleaños, su obra apareció en Tubinga, Londres, Salzburgo y Seúl. El Colby College Museum of Art en Maine montó una exposición de dibujos. La National Medal of Arts, que recibió en la Casa Blanca en octubre de 2024, señaló su obra por conjurar un retrato perdurable de Estados Unidos. Lo que Katz ha conjurado en realidad es más específico que eso: un retrato perdurable de lo que cuesta mirar con atención las cosas ordinarias durante 70 años y resistir la presión de explicar lo que encuentras.

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