Marc Chagall, el pintor que sobrevivió al siglo que destruyó su mundo

Marc Chagall

Photo: Hugo Erfurth / Public domain, via Wikimedia Commons

Nacimiento	7 de julio de 1887 Lyozna, near Vitebsk, Russian Empire (now Belarus)
Fallecimiento	28 de marzo de 1985 (97)
Ocupación	Pintor
Premios	Wolf Prize in Arts 1981 · Erasmus Prize 1960 · Grand Cross, Légion d’Honneur 1978 · Venice Biennale Prize · Carnegie Prize (3rd prize) 1939

Nadie en el arte moderno flotó como Chagall. No en ambición — sino literalmente: sus figuras pintadas se elevan del suelo y flotan, se abrazan en el aire, derivan sobre aldeas en llamas y calles provincianas tranquilas, indiferentes a la gravedad. Esa suspensión no era fantasía ni surrealismo. Era, para Chagall, la descripción más precisa de lo que se siente el amor, lo que se siente el recuerdo, lo que significa llevar un mundo dentro de uno que el mundo exterior ya había decidido destruir.

Moishe Shagal nació en Lyozna, una aldea cerca de Vitebsk en lo que hoy es Bielorrusia, en el seno de una familia judía numerosa en la Zona de Asentamiento — su padre empleado de un comerciante de arenques, su madre administrando una tienda de abarrotes desde su casa. La propia Vitebsk, donde la familia se estableció, era una ciudad provincial mediana animada por la vida comunitaria judía que marcaría el vocabulario visual de Chagall de forma permanente: el mercado del shtetl, la ceremonia nupcial, el violinista de cara verde sobre un tejado que toca porque la música es todo lo que queda cuando todo lo demás te lo han quitado. Se formó con el pintor local Yehuda Pen, luego se mudó a San Petersburgo para estudiar con Léon Bakst — quien reconoció, sin saber bien qué hacer con ello, a un estudiante que no tenía interés en pintar nada que correspondiera a la realidad externa tal como los demás acordaban verla.

Llegó a París en mayo de 1911 con una beca de su mecenas Max Vinaver, se instaló en La Ruche — la “colmena”, una residencia barata para artistas en Montparnasse que también albergaba a Fernand Léger y Amedeo Modigliani — y comenzó a producir obra que Guillaume Apollinaire llamaría “surnaturel!” (sobrenatural), un acuñación que precedió al surrealismo por una década. No fue ni cubista ni fauvista, aunque estudió ambas corrientes con la atención de un artesano que entendía que el objetivo no era unirse a una escuela sino usar lo que las escuelas habían descubierto y luego irse a otro lado. En Yo y la aldea (1911) — un cuadro tan audaz en su estructura que parece ensamblado a partir de restos de sueños — un campesino de cara verde se enfrenta a una vaca de ojos verdes a través de un círculo dividido, una mujer camina boca abajo en la distancia, y todo el conjunto se cohesiona en algo que se siente, imposiblemente, como el recuerdo de un lugar. No un registro. Una sensación.

Se suponía que estaría en Rusia brevemente. Fue a Vitebsk en el verano de 1914 para ver a Bella Rosenfeld, la mujer con quien se casaría — y la Primera Guerra Mundial selló la frontera. Quedó atrapado durante ocho años. Se casaron en julio de 1915; su hija Ida nació al año siguiente. Después de la Revolución, fue nombrado Comisario de Artes de Vitebsk y fundó la Escuela Popular de Arte de Vitebsk — un gesto utópico que duró hasta que invitó a Kazimir Malevich a enseñar allí. Malevich llegó con el suprematismo, la doctrina de la abstracción geométrica pura, y comenzó a convertir a la facultad. Para mayo de 1920, la escuela que Chagall había construido era dirigida por quienes creían que la figura humana no tenía futuro en el arte. Renunció y se fue a Moscú, luego a Berlín, luego a París. Esta derrota importó: la discusión entre la pintura figurativa y emocionalmente arraigada de Chagall y el programa abstracto de Malevich no fue solo una disputa de escuela de arte. Fue una disputa sobre si el arte podía ser humano y aun así ser moderno.

De vuelta en París para 1923 y ciudadano francés desde 1937, Chagall entró en un período de gran trabajo institucional: los grabados bíblicos encargados por el marchante Ambroise Vollard, las ilustraciones para las Fábulas de La Fontaine, una reputación creciente que debería haberlo asegurado todo. En cambio, Europa se acercaba a su catástrofe. En 1938, el año de la Kristallnacht, pintó Blanco crucifijo: Cristo en la cruz vestido con un chal de oración judío, el sudario un talit, rodeado de sinagogas en llamas, refugiados huyendo, rollos de la Torá consumidos por el fuego. Es la pintura más explícitamente política que jamás hizo, y defiende algo que la mayor parte de su obra defiende más silenciosamente: que el sufrimiento judío no es un problema especializado sino universal, y que toda gran imagen religiosa lleva la memoria de su propia persecución. El papa Francisco la nombró más tarde una de sus pinturas favoritas.

Huyó de la Francia ocupada en 1941 a través del Comité de Rescate de Emergencia. Su esposa Bella murió de una infección estreptocócica en Nueva York el 2 de septiembre de 1944. Chagall dejó de pintar durante nueve meses — el silencio más largo de su vida adulta. Cuando volvió al trabajo, se volcó cada vez más hacia las vidrieras: luz que atraviesa en lugar de reflejarse, el color como algo dentro de lo que se vive en lugar de algo frente a lo que se está de pie. Los encargos de vidrieras que dominaron sus últimas décadas no fueron un declive hacia el trabajo decorativo. Fueron la extensión lógica de lo que siempre había estado haciendo: hacer que el espectador habite un mundo en lugar de observarlo desde una distancia segura.

De vuelta en Francia desde 1948, establecido finalmente en Saint-Paul-de-Vence, acumuló encargos públicos a una escala que pocos pintores en la historia han igualado: doce ventanas en el Centro Médico de la Universidad Hebrea Hadassah en Jerusalén (1962), el techo de la Ópera de París (1964), la Ventana de la Paz en las Naciones Unidas (1964, en memoria de Dag Hammarskjöld), dos murales para la Ópera Metropolitana de Nueva York (1966), las Ventanas de América en el Instituto de Arte de Chicago (1977). Picasso, poco dado a conceder mucho, dijo: “Cuando Matisse muera, Chagall será el único pintor que quede que entienda realmente lo que es el color”.

El problema crítico con el legado de Chagall es precisamente lo que lo hizo famoso: la etiqueta de “artista judío”. Para algunas instituciones y críticos, ha sido un honorífico — el reconocimiento de que su obra preservó un mundo cultural obliterado en la Shoá, de que sus pinturas de la vida del shtetl de Vitebsk constituyen un documento irremplazable de algo que ya no existe. Para otros, la etiqueta ha sido una reducción: un gran pintor modernista aplanado en una categoría étnica. El propio Chagall nunca aceptó la simplificación. Su imaginario se basaba en el folclore judío y el Antiguo Testamento, pero también en el arte popular ruso, el catolicismo (Blanco crucifijo es una imagen cristiana al menos tanto como judía), y en una mitología puramente personal que precedía a cualquier categoría religiosa o étnica. No era el Picasso judío más de lo que Picasso era el Chagall español. La posición más honesta es que sus orígenes son reales y su obra los trasciende — que es lo único interesante que los orígenes hacen.

Marc Chagall murió el 28 de marzo de 1985 en Saint-Paul-de-Vence, a los 97 años. El Museo Nacional Marc Chagall en Niza — inaugurado en 1973, construido para albergar su ciclo del Mensaje Bíblico, que donó al Estado francés — sigue activo. En 2026, una exposición en el Museo Chagall titulada “Chagall at Work” documenta su proceso a través de distintos medios. Sus vidrieras en Jerusalén siguen atrapando la luz en la sinagoga Hadassah mañana tras mañana. Su mundo pintado — el violinista verde, los amantes flotantes, el azul luminoso e imposible de la noche de Vitebsk — continúa defendiendo el argumento de siempre: que el siglo que intentó eliminar ese mundo no lo logró.

Etiquetas: art, artists, pintores, Ambroise Vollard, arte moderno, Bella Chagall

Personas relacionadas

Roald Dahl

Wassily Kandinsky

Roy Lichtenstein

M. Night Shyamalan

Gerhard Richter

André Derain