Grant Wood, el pintor de Gótico estadounidense que nunca aceptó la sátira

Grant Wood

Photo: Grant Wood / Public domain, via Wikimedia Commons

Nacimiento	13 de febrero de 1891 Anamosa
Fallecimiento	12 de febrero de 1942 (50)
Ocupación	Pintor

La horca es la pista, o eso han supuesto generaciones de caricaturistas. El doble retrato de Grant Wood, con dos rostros adustos bajo una ventana gótica puntiaguda, se ha interpretado tantas veces como una burla a la piedad de los pueblos pequeños que las negativas de su autor parecen parte del chiste. Aun así, Wood siguió negándolo. Decía que había pintado «el tipo de personas que imaginaba que deberían vivir en esa casa», y pasó el resto de su breve carrera vistiéndose y hablando como una de ellas.

Ese es el nudo central de su historia. El hombre que se convirtió en el rostro del regionalismo —un movimiento que les decía a los pintores estadounidenses que se olvidaran de París y pintaran el Medio Oeste— había estudiado en París y luego volvió a casa para posar ante los reporteros con overol de mezclilla. Si lo usaba por convicción o como disfraz es la pregunta que sus biógrafos no han dejado de hacerse.

Grant DeVolson Wood nació en una granja cerca de Anamosa, Iowa, el 13 de febrero de 1891. Asistió a una escuela de una sola aula que pintaría décadas después en Arbor Day, la imagen que la Casa de la Moneda de Estados Unidos tomó prestada para la moneda de 25 centavos del estado de Iowa en 2004. Su padre murió en 1901 y la familia se mudó a Cedar Rapids, donde, a los 14 años, ganó un premio nacional por un dibujo a carboncillo.

Su verdadera formación vino del movimiento Arts and Crafts: un verano en la Minneapolis School of Design and Handicraft en 1910, seguido de tres años en Chicago, en el taller de platería Kalo y en un efímero negocio de joyería propio. Tras trabajar como diseñador de camuflaje para el ejército, enseñó arte en las escuelas públicas de Cedar Rapids y viajó dos veces a París; en la segunda ocasión estudió en la Académie Julian. Las suaves pinturas impresionistas de aquellos años desaparecerían más tarde de su historia pública.

Los encargos pagaban las cuentas. En 1926, para el hotelero Eugene Eppley, Wood decoró el comedor del Martin Hotel en Sioux City con siete paneles de campos maduros, Corn Room. El giro decisivo llegó con un vitral para el Cedar Rapids Veterans Memorial Building. El vidrio se fabricó en Múnich y, mientras supervisaba el trabajo en 1928, Wood estudió pintura renacentista alemana y flamenca. Primero llegó Woman with Plants, un retrato de perfil de su madre con una planta en maceta. Gótico estadounidense le siguió en 1930.

Había visto una pequeña casa de campo de estilo Carpenter Gothic en Eldon, al sur de Iowa, con una ventana puntiaguda en el hastial. Puso a su hermana Nan y a su dentista, Byron McKeeby, frente a una versión de la casa y los vistió, según sus palabras, como «fotografías en ferrotipo de mi viejo álbum familiar». La obra se presentó en la exposición anual de pintura estadounidense del Art Institute of Chicago, ganó un premio y pasó a formar parte de la colección del museo, donde aún está expuesta. Gertrude Stein interpretó la imagen como una sátira de la estrechez de miras rural; cuando comenzó la Gran Depresión, esos mismos rostros pasaron a representar la resistencia de los pioneros. Wood rechazó la lectura satírica y nunca explicó del todo la ironía que todos los demás podían ver.

La década siguiente lo convirtió en una figura pública. En 1932, él y su amigo Marvin Cone fundaron una efímera colonia artística en Stone City, el pueblo que ya había pintado en Stone City, Iowa. En diciembre de 1934, la revista Time lo incluyó junto con Thomas Hart Benton y John Steuart Curry entre los líderes de un nuevo movimiento estadounidense. Se convirtió en profesor de la State University of Iowa, donde tuvo entre sus alumnas a Elizabeth Catlett, y en 1935 publicó Revolt against the City, un manifiesto regionalista. En obras como Dinner for Threshers, las tierras de cultivo se transforman en una geografía redondeada, casi de juguete, mientras que El paseo de Paul Revere y Parson Weems’ Fable presentan los mitos nacionales como escenas teatrales. Los críticos todavía discrepan sobre cuán solemnes son.

Una vez sí admitió que había hecho una sátira. Cuando la delegación local de las Daughters of the American Revolution objetó que un vitral conmemorativo de guerra se hubiera fabricado en Alemania, la ventana quedó sin inaugurar y Wood respondió con Daughters of Revolution: tres mujeres mayores, recatadas, posan frente al heroico lienzo de Emanuel Leutze sobre Washington cruzando el Delaware, que también había sido pintado en Alemania. Wood dijo que era su única sátira y más tarde la descartó como «una pintura bastante mala. Se sostiene por el tema». Si alguna vez pudo ser así de mordaz, la lectura solemne de todo lo demás empieza a parecer una decisión que sus admiradores tomaron por él.

La discusión más difícil tiene que ver con el propio artista. Wood se casó en 1935 con Sara Maxon, una cantante retirada; el matrimonio duró tres años. En una biografía de 2010, el historiador del arte R. Tripp Evans sostuvo que Wood era un hombre gay que mantenía su orientación en secreto y que el granjero vestido con overol era una máscara. La retrospectiva del Whitney Museum de 2018, organizada por Barbara Haskell, interpretó las pinturas desde la represión y el aislamiento. La crítica Deborah Solomon consideró que Evans había llevado su tesis demasiado lejos, sugirió que quizá sería más adecuado describir a Wood como asexual y concluyó: «Merece ser recordado como uno de los excéntricos fundamentales del arte estadounidense». Ambos bandos coinciden en que el sencillo iowano que recorría el país dando conferencias era, al menos en parte, una puesta en escena, y que eso vuelve aún más extrañas sus pinturas.

En la universidad, Lester Longman, director del departamento de arte modernista, se oponía tanto a su enseñanza como al regionalismo, y la disputa se volvió tan amarga que Wood amenazó con renunciar en 1940. Regresó de una licencia en el otoño de 1941, ya sin estar bajo la supervisión de Longman, y cayó gravemente enfermo ese octubre. Murió de cáncer de páncreas en Iowa City el 12 de febrero de 1942, un día antes de cumplir 51 años.

Tras su muerte, la historia del arte modernista trató el regionalismo como un desvío provinciano, hasta que los especialistas comenzaron a reivindicar a Wood en la década de 1970. El mercado también se ha puesto al día: en enero de 2026, un pequeño estudio a lápiz para Gótico estadounidense se vendió en Christie’s, en Nueva York, por 584.200 dólares, frente a los 50.000 dólares que había alcanzado la última vez que cambió de manos, en 1989.

Este año, la atención volvió a las obras que hizo antes de alcanzar la fama. Los siete paneles de Corn Room, ocultos durante años bajo capas de pintura y papel tapiz, pasaron más de un año en el Midwest Art Conservation Center de Minneapolis y regresaron en junio de 2026 como pieza central de Pasture to Present, en el Sioux City Art Center. «El amarillo del maíz se aprecia bastante más y, lo que es más importante, el azul del cielo se ve mucho mejor», dijo Christopher Atkins, curador del centro.

Atkins también llamó a Gótico estadounidense «el primer y más grande meme del mundo», un destino que Wood menos deseaba y que no pudo evitar. El maíz restaurado muestra a otro pintor: un decorador con manos de artesano que todavía intentaba descifrar cómo era Iowa. La pregunta que plantea su cuadro más famoso —si esos dos rostros reciben un homenaje o son objeto de burla— ha sobrevivido al artista por más de ochenta años, y quizá la respuesta más honesta sea que Wood pintó ambas cosas a la vez.

Etiquetas: art, artists, pintores, Grant Wood, Corn Room, Daughters of Revolution

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