Eugène Delacroix, el pintor que Francia guardó en una bodega y luego puso en sus billetes

Eugène Delacroix

Photo: Eugène Delacroix / Public domain, via Wikimedia Commons

Nacimiento	26 de abril de 1798 Saint-Maurice
Fallecimiento	13 de agosto de 1863 (65)
Ocupación	Pintor
Premios	Caballero de la Legión de Honor · Oficial de la Legión de Honor · Comandante de la Legión de Honor

Durante unos meses, a comienzos de la década de 1830, el Estado francés fue dueño de la imagen más famosa de su propia revolución y no se atrevió a mostrarla. El gobierno de Louis-Philippe compró La libertad guiando al pueblo por 3.000 francos, la exhibió brevemente y luego la retiró de la vista, preocupado porque una mujer con el pecho descubierto, gorro frigio y paso firme sobre una barricada pudiera alentar el siguiente motín. Tras la insurrección de junio, el lienzo volvió a manos de quien lo había pintado. Un siglo y medio después, Francia llevó su rostro al billete de 100 francos.

Esa es, en miniatura, la historia de la vida de Eugène Delacroix. Fue el principal pintor del Romanticismo francés, un colorista al que Cézanne, Van Gogh, Signac y Picasso reconocieron como antecesor y, durante la mayor parte de su carrera, un artista que el mundo oficial del arte consideró un problema que había que manejar. La Académie des Beaux-Arts lo rechazó siete veces. Sus críticos calificaban sus pinturas de errores. Aun así, el Estado no dejaba de comprarlas.

El hijo de un ministro y el rumor sobre Talleyrand

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix nació el 26 de abril de 1798 en Charenton-Saint-Maurice, a las afueras de París. Su madre, Victoire Oeben, era hija de Jean-François Oeben, ebanista de Louis XV. Su padre legal, Charles-François Delacroix, había sido ministro de Asuntos Exteriores durante el Directorio antes de convertirse en prefecto. El hombre que lo sucedió al frente del ministerio, Charles-Maurice de Talleyrand, era amigo de la familia, y desde entonces ha acompañado a Delacroix el rumor de que Talleyrand era su verdadero padre. Había motivos médicos para dudar que Charles-François hubiera podido engendrar un hijo en aquella época, y se decía que el Eugène adulto se parecía a Talleyrand en el rostro y el temperamento. Nunca se ha probado nada.

Su padre murió en 1805 y su madre, en 1814; quedó con una formación clásica y poco dinero. Estudió en el Lycée Louis-le-Grand de París y en el liceo de Rouen, donde obtuvo premios de dibujo. En 1815 ingresó al taller de Pierre-Narcisse Guérin, pintor formado en el estilo neoclásico de Jacques-Louis David. Allí conoció a Théodore Géricault, siete años mayor y ya inmerso en la ambición artística que daría lugar a La balsa de la Medusa. Delacroix posó para una de las figuras de esa balsa. La influencia de Géricault sobre él fue inmediata y duradera.

1822: el debut en el Salón que el Estado compró de todos modos

Delacroix eligió tarde el tema de su primera obra para el Salón: lo hizo a mediados de enero de 1822 y la pintó a toda prisa para tenerla lista en abril. La barca de Dante, también conocida como Dante y Virgilio en los infiernos, muestra a los dos poetas cruzando la laguna Estigia en el canto octavo del Infierno, mientras los condenados se aferran a la barca. Para que los colores se secaran más rápido, usó barnices que con el tiempo dañaron el lienzo. La crítica quedó muy dividida, pero el Estado compró la pintura por 2.000 francos —un poco menos de los 2.400 que había pedido— y la envió al Musée du Luxembourg. Desde aquella primera transacción quedó marcado el patrón de toda su carrera: una oposición estridente y una compra oficial discreta.

Dos años después fue más lejos. Escenas de las matanzas de Quíos, presentada en el Salón de 1824, abordaba el asesinato y la esclavización de civiles griegos por parte de los otomanos en la isla de Quíos, en 1822, una atrocidad contemporánea que Europa seguía a través de los periódicos. Delacroix no concedió a las víctimas ninguna pose heroica: aparecen sentadas, exhaustas y agonizantes en primer plano, mientras un jinete se lleva a una mujer a rastras. El detalle de un bebé que busca el pecho de su madre muerta fue condenado por considerarse impropio de una pintura. En ese mismo Salón se exhibieron obras de John Constable, y se dice que, tras verlas, Delacroix volvió a trabajar el cielo y el paisaje lejano de su lienzo con pinceladas más libres y fragmentadas. La pintura recibió una medalla de segunda clase y el Estado pagó 6.000 francos por ella.

En 1825 pasó varios meses en Inglaterra, donde visitó a Thomas Lawrence y a su amigo Richard Parkes Bonington, y fue al teatro a ver obras de Shakespeare. La literatura inglesa se convirtió en una de sus grandes fuentes de inspiración: Byron, Walter Scott y Shakespeare le proporcionaron temas durante el resto de su vida. También realizó una célebre serie de litografías para el Fausto de Goethe, publicada en 1828.

La muerte de Sardanápalo y la palabra «error»

En el Salón de 1827–28, Delacroix exhibió su lienzo más violento. La muerte de Sardanápalo, inspirada en una obra de Byron, muestra al rey asirio sitiado, recostado en una enorme cama roja y observando impasible cómo sus guardias matan a sus concubinas, sirvientes y caballos para que nada de lo que posee sobreviva. La composición es un torbellino de cuerpos, joyas y carne, sin un punto estable en el que pueda descansar la mirada. El crítico Étienne-Jean Delécluze escribió en el Journal des débats que el ojo no podía desenredar la confusión de líneas y colores, y calificó el cuadro de «error de pintor». Las críticas fueron casi unánimes. Delacroix conservó el lienzo en su taller durante años; en 1845 se lo vendió por 6.000 francos al coleccionista estadounidense John Wilson, y la obra no llegó al Louvre hasta 1921.

1830: la libertad en la barricada

La Revolución de Julio del 27 al 29 de julio de 1830, los «Tres Días Gloriosos» que derrocaron a Charles X, le dio a Delacroix el tema de su vida. No luchó en las barricadas, pero le escribió a su hermano que, si no había combatido por su país, al menos pintaría para ella. La libertad guiando al pueblo sitúa a una mujer alegórica, con el pecho descubierto y la bandera tricolor en alto, entre parisinos de carne y hueso: un trabajador con un sable, un hombre de sombrero de copa con un mosquete, un muchacho de la calle con una pistola en cada mano y los muertos en primer plano. La mezcla de alegoría y reportaje desconcertó a los críticos; algunos consideraron vulgar la figura de la Libertad. La obra se exhibió en el Salón de 1831 y ese mismo año Delacroix fue nombrado caballero de la Légion d’honneur.

Lo que ocurrió después es la historia que contamos al comienzo de este artículo. El Estado compró la pintura, pero la guardó porque el nuevo régimen temía su mensaje. Volvió a exhibirse brevemente en 1848 y no pasó a formar parte de la exposición permanente del Louvre hasta 1874. Desde entonces se convirtió en la imagen que la mayoría de la gente evoca al pensar en la República Francesa. Su Libertad se volvió la representación temprana más conocida de Marianne; la imagen se grabó en el billete de 100 francos emitido a partir de 1978 y, en 2008, Coldplay la usó en la portada de Viva la Vida or Death and All His Friends.

Entre septiembre de 2023 y abril de 2024, el Louvre restauró la pintura en sus propias instalaciones. Los conservadores retiraron ocho capas de barniz amarillento y suciedad, con lo que recuperaron el blanco brillante de las nubes y el humo; también descubrieron que el vestido de la Libertad, que durante mucho tiempo se había visto amarillo, originalmente era gris claro con toques dorados. Unos meses después, durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de París 2024, artistas recrearon la pintura como un cuadro viviente en la Conciergerie.

Siete meses en Marruecos

En 1832, Delacroix se incorporó a la misión diplomática que Louis-Philippe envió ante el sultán de Marruecos, Moulay Abd al-Rahman, bajo la dirección de Charles-Edgar, conde de Mornay. Francia acababa de iniciar la conquista de Argelia, y la tarea de Mornay era tranquilizar al sultán y a los británicos. La misión duró unos siete meses y pasó por Andalucía y Argel, además de Tánger y Mequinez. Delacroix llenó cuaderno tras cuaderno con dibujos y acuarelas de personas, caballos, vestimentas, patios y luz. Fue la única vez que viajó al norte de África, pero aquel viaje le proporcionó temas para los siguientes treinta años: con el tiempo realizó más de cien pinturas y dibujos basados en lo que había visto.

La más conocida es Mujeres de Argel en su apartamento (1834), realizada después de que le permitieran entrar en una casa privada de Argel, algo casi imposible para un hombre europeo; pintó una segunda versión en 1849, hoy en Montpellier. Le siguieron Los fanáticos de Tánger (1838), Boda judía en Marruecos (1839) y El sultán de Marruecos y su séquito, presentada en el Salón de 1845 y hoy en Toulouse. Las escenas de jinetes en combate y cacerías de leones, que pintó una y otra vez hasta finales de la década de 1850, también procedían de esa experiencia. Estas obras lo convirtieron en una figura central del orientalismo francés, aunque el norte de África que representa se parece menos a un harén de fantasía que a un lugar habitado por personas dignas, observadas con atención.

Muros, techos y una capilla

A partir de 1833, Delacroix recibió un flujo constante de encargos públicos que ocuparon buena parte del resto de su vida profesional. Decoró el Salon du Roi del Palais Bourbon, sede de la Cámara de Diputados, entre 1833 y 1837; después dedicó alrededor de una década a las bibliotecas del Palais Bourbon y el Palais du Luxembourg. Pintó una gran Piedad para la iglesia de Saint-Denis-du-Saint-Sacrement y, entre 1848 y 1850, el techo central de la Galerie d’Apollon del Louvre, Apolo vence a la serpiente Pitón. Las decoraciones que hizo para el Salon de la Paix del Hôtel de Ville quedaron destruidas cuando el edificio se incendió en 1871.

Su último gran proyecto fue la Chapelle des Saints-Anges, en la iglesia de Saint-Sulpice. Para estar más cerca de ella, en 1857 se mudó a un departamento con taller y jardín en el número 6 de la rue de Furstenberg. Allí pintó Jacob lucha con el ángel, Heliodoro expulsado del templo y San Miguel vence al demonio, obras que terminó en 1861, cuando ya tenía mala salud. Aunque no era creyente practicante, pintó cientos de obras religiosas, y los murales de Saint-Sulpice han sido considerados las mejores pinturas murales de su época.

Chopin, el Journal y la rivalidad con Ingres

Lejos del Salón, Delacroix cultivó amistades intensas. Era cercano a Frédéric Chopin y George Sand, y en 1838 los pintó juntos en un retrato doble. Después de la muerte del pintor, el lienzo fue cortado en dos: Chopin está hoy en el Louvre y Sand, en el museo Ordrupgaard, cerca de Copenhague. La música le importaba más que casi cualquier otra cosa; en 1855 escribió que nada podía compararse con la emoción que provocaba.

También fue escritor. Su Journal, iniciado en 1822, interrumpido en 1824 y retomado en 1847 hasta su muerte, es uno de los grandes documentos del arte del siglo XIX: está lleno de apuntes sobre color, técnica, poesía, música y la sociedad parisina. Se publicó por primera vez en 1893, y en 2009 Michèle Hannoosh dio a conocer una edición crítica completa. También sentía curiosidad por los nuevos medios: en 1851 fue miembro fundador de la Société héliographique y, en 1854, encargó al fotógrafo Eugène Durieu estudios de modelos desnudos que luego utilizó como referencia para sus dibujos.

Su rival durante la mayor parte de su vida fue Jean-Auguste-Dominique Ingres, defensor de la línea, el acabado y la tradición clásica, frente al color, el movimiento y Rubens que representaba Delacroix. La Exposition Universelle de 1855 los presentó uno junto al otro: Ingres mostró cuarenta pinturas y Delacroix, treinta y cinco, en una retrospectiva de sus lienzos más importantes. Delacroix recibió la gran medalla de honor de la exposición y fue nombrado comandante de la Légion d’honneur; en 1846 ya lo habían ascendido a oficial. La Académie des Beaux-Arts, donde Ingres se oponía a él, finalmente lo eligió el 10 de enero de 1857 para ocupar el puesto que había dejado Paul Delaroche, después de siete candidaturas fallidas. También formó parte del consejo municipal de París entre 1851 y 1861.

Un testamento que prohibía reproducir su propio rostro

El invierno de 1862–63 fue duro para él. Llevaba mucho tiempo padeciendo problemas de garganta y su enfermedad empeoró durante la primavera. A mediados de julio, su médico le dijo que ya no había nada más que hacer. Delacroix escribió su testamento, en el que dejó obsequios a cada uno de sus amigos y dinero suficiente para que Jenny Le Guillou, su ama de llaves de muchos años, pudiera vivir. También añadió una cláusula inusual: después de su muerte no debía hacerse ninguna imagen de su rostro, ya fuera una máscara mortuoria, un dibujo o una fotografía, y lo prohibió «expresamente». Murió la noche del 13 de agosto de 1863 en su departamento de la rue de Furstenberg, a los 65 años, con Jenny a su lado. Está enterrado en el cementerio Père-Lachaise. Ese mismo año, Charles Baudelaire, que lo había defendido en sus reseñas del Salón desde la década de 1840, publicó La vida y la obra de Eugène Delacroix.

El pintor que reivindicaron los modernos

Los pintores que vinieron después de Delacroix asumieron casi de inmediato la reputación que la Académie había rechazado. En 1864, Henri Fantin-Latour presentó Homenaje a Delacroix, un retrato grupal de Manet, Whistler, Baudelaire y otros reunidos alrededor del retrato del pintor muerto. Renoir y Manet copiaron sus lienzos; Degas compró su retrato de Louis-Auguste Schwiter. Cézanne copió sus flores y su Medea, pintó una Apoteosis de Delacroix y dijo sobre Mujeres de Argel: «Todos estamos en ese Delacroix». Vincent van Gogh hizo su propia versión de la Piedad en 1889. Paul Signac escribió un libro, De Eugène Delacroix al neoimpresionismo, en el que rastreó hasta él la teoría del color de su generación. En la década de 1950, Picasso pintó una larga serie de variaciones sobre Mujeres de Argel.

El departamento y taller de la rue de Furstenberg donde Delacroix pasó sus últimos años fueron salvados por un grupo de admiradores, entre ellos Maurice Denis, y se abrieron como museo en 1932. Hoy es el Musée national Eugène-Delacroix, dependiente del Louvre y a poca distancia a pie de la capilla de Saint-Sulpice. La mayoría de sus grandes lienzos se encuentran en el propio Louvre, donde La barca de Dante, Las matanzas de Quíos, La muerte de Sardanápalo, La libertad guiando al pueblo y Mujeres de Argel cuelgan a pocas salas de distancia unos de otros.

Para un pintor cuya obra estuvo alguna vez escondida en un depósito y cuyas piezas para el Salón fueron descartadas como errores, es un destino póstumo poco común. Delacroix no quería que se hiciera ninguna imagen suya después de muerto. Francia lo ignoró, imprimió su retrato en su moneda y convirtió a su Libertad en el rostro de la República.

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