Sofia Coppola: la película abucheada en Cannes que terminó cambiando la moda y el cine

Sofia Coppola

Photo via The Movie Database (TMDB)

Nacimiento	14 de mayo de 1971 New York City, United States
Ocupación	Directora de cine
Conocido por	Perdidos en Tokio, Las Vírgenes Suicidas, María Antonieta
Premios	Óscar · León de Oro · Best Director, Cannes Film Festival (2017)

Cada película de Sofia Coppola podría describirse, en su primera línea de pitch, como lo que el cine de su padre adiestró al público para rechazar. Mientras Francis Ford Coppola levantaba arquitecturas épicas de poder y sangre, su hija volvió una y otra vez a la deriva, a la textura del tiempo pasando en cuartos dorados, al problema de ser joven y mujer y estar rodeada de todo salvo de una razón para quedarse. Que ese camino haya producido cine que ahora estudian las escuelas no es casualidad: es el argumento completo.

Llegó al cine como otros llegan a la iglesia, sin haber elegido creer y con razones suficientes para decidir en qué creer. Creció en sets de filmación, apareció como bebé en El Padrino y luego en el experimento fallido que fue El Padrino: Parte III, donde su actuación recibió una crítica feroz que superaba lo que merecía la situación. Sofia Carmina Coppola nació en mayo de 1971, la menor de los hijos de Eleanor y Francis Ford Coppola, y tenía 19 años cuando salió la tercera parte de la saga familiar. La hostilidad hacia su trabajo fue, paradójicamente, una de las redirecciones más limpias de la historia del cine contemporáneo.

Vírgenes suicidas (1999), su debut como directora adaptado de la novela de Jeffrey Eugenides, anunció una estética tan formada que los críticos no sabían cómo clasificarla. Ambientada en un suburbio de Detroit en los setenta, trataba el misterio central —la muerte de cinco hermanas— no como un enigma a resolver sino como un clima a habitar. Su segundo largometraje, Perdidos en Tokio (2003), le ganó el Óscar al mejor guion original y la ubicó como la tercera mujer jamás nominada al Óscar a la mejor dirección, y la primera norteamericana en lograrlo. El entorno del filme —un hotel de lujo en Tokio, la soledad específica de ese nivel de desplazamiento— produjo una imagen cultural que sobrevivió a la década entera.

Marie Antoinette (2006) es el capítulo clave para entender a Coppola. La película se estrenó en Cannes con una recepción que la prensa convirtió en escándalo —circularon historias de abucheos en los pases de prensa— y fue lo suficientemente decepcionante en taquilla como para que la propia directora la llamara fracaso años después. Lo que se rechazaba era una película que negaba el registro del drama histórico: usaba la historia de la reina no para advertir sobre el exceso sino para retratar la impotencia disfrazada de privilegio extremo, musicalizada con pospunk y fotografiada como anuncio de perfume. Veinte años después, Marie Antoinette es considerada una de las obras formalmente más audaces de los dos mil, y sus métodos los tomó prestados el mundo de la moda.

Ganó el León de Oro en Venecia en 2010 con En algún lugar, convirtiéndose en la primera norteamericana en llevarse el máximo galardón del festival. En 2017, El seductor, su adaptación feminista del thriller sureño ambientado durante la Guerra Civil, ganó el premio a la mejor dirección en Cannes: fue la segunda mujer en setenta años de festival en obtenerlo. Cada uno de esos premios llegó después de películas que eran demasiado quietas, demasiado lentas o demasiado metidas en la subjetividad femenina para haberse premiado solo por la ambición.

En 2023, Priscilla releyó la historia de Elvis desde los ojos de Priscilla Presley: el retrato de una mujer que se diluye dentro de la mitología de otra persona, con música de Thomas Mars —el marido de Coppola y vocalista de Phoenix— y sin una sola canción de Elvis en toda la cinta. La película se estrenó en Venecia y le dio a su protagonista, Cailee Spaeny, la Copa Volpi a la mejor actriz. Después llegó Marc by Sofia, su primer documental —un retrato íntimo del diseñador Marc Jacobs, amigo cercano desde hace treinta años— que se estrenó en Venecia en 2025 y llegó al público en Estados Unidos en marzo de 2026.

Está en las primeras etapas de escritura de su próxima película de ficción. Trabaja también en un documental construido a partir de los materiales que filmó su madre Eleanor en el rodaje de Marie Antoinette, un proyecto que describe como cumplir uno de los últimos deseos de su madre, previsto para octubre de 2026 en el vigésimo aniversario del filme. La pregunta que recorre toda su obra —qué significa vivir rodeada de lujo visible y restricciones invisibles— lleva veintiséis años sin respuesta. Y parece que así va a seguir.