Cecily Brown, la pintora cuyos cuadros valen millones, cambia el erotismo por las multitudes

Cecily Brown

Nacimiento	1969 Londres, Inglaterra
Ocupación	Pintora
Conocido por	Destricted

Si miras un cuadro de Cecily Brown durante el tiempo suficiente, la tormenta de pinceladas empieza a revelar cuerpos: una rodilla, una boca abierta, dos figuras enredadas en lo que resulta ser la orilla de un río. Esa revelación gradual construyó un mercado en el que sus pinturas cambian de manos por millones, y es precisamente eso lo que la pintora británica parece decidida a complicar ahora. Su regreso a Londres este año llenó una galería de Kensington Gardens con troncos caídos, senderos boscosos y dibujos a tinta sacados de libros infantiles; una crítica salió admitiendo que había ido en busca de las orgías ocultas y que, en cambio, se encontró con Humpty Dumpty.

¿Es un repliegue o el desenlace lógico de una discusión que Brown lleva teniendo con la pintura desde siempre? Siempre ha querido que sus cuadros permanezcan en un estado de incertidumbre ante quien los mira. «Mi obra siempre ha tenido algo de naturaleza inestable, porque nada está fijo», le dijo a WSJ Magazine. «Crees saber qué estás mirando. Vuelves a mirar y cambia». La nueva obra dirige esa inestabilidad hacia su propia reputación y hacia los coleccionistas y críticos que creían saber qué era un cuadro de Cecily Brown.

Hija de la novelista Shena Mackay, Brown creció en Surrey tras nacer en Londres en 1969; estudió en Epsom School of Art y Morley College, y se graduó de Slade School of Fine Art en 1993. El amigo de la familia que la puso en contacto con Jasper Johns y Richard Serra, y la llevó a ver a Francis Bacon, fue el crítico David Sylvester, cuyas entrevistas con Bacon había leído todo estudiante de arte de la época. A los 21 años, cuando todavía estudiaba en Slade, se enteró de que Sylvester era su padre. Años después resumió la consecuencia con claridad: «Soy una nepo baby en Londres, y aquí no saben tanto que mi papá era un pez gordo». Con «aquí» se refería a Nueva York.

Se mudó allí en 1994, en parte porque en el Londres de Damien Hirst y Sarah Lucas el impulso de pintar se consideraba algo ligeramente retrógrado. Jeffrey Deitch le dio dos muestras individuales en Deitch Projects, en SoHo, en 1997 y 1998; ambas estaban llenas de conejitos apareándose. Para el año 2000 ya se había incorporado a Gagosian, los conejos se habían convertido en cuerpos humanos semisumergidos en una pintura espesa y rápida, y sus precios habían llegado a las seis cifras.

La fama llegó mucho antes que el reconocimiento de la crítica: posó para Vanity Fair y la agruparon con John Currin y Lisa Yuskavage como parte de la generación de pintores figurativos del momento. Roberta Smith, de The New York Times, destrozó su primera muestra en Gagosian; más tarde recordó que le habían parecido «caóticas sin sentido, provocadoras gratuitamente» y «hechas para vender»; y eso hicieron. La sospecha persiguió a Brown durante una década: que había tomado prestada la audacia de Willem de Kooning y los expresionistas abstractos sin asumir lo que estaba en juego en su obra, y que las fotografías hacían parte del trabajo por ella.

Lo que esa sospecha pasaba por alto era cuánto conocimiento había bajo la superficie. Brown recurre a Rubens, Bruegel, Bosch y Goya, y toma títulos del viejo Hollywood, como en Suddenly Last Summer. Sus dibujos llegan aún más lejos, hasta la portada de Electric Ladyland, de Jimi Hendrix. El curador Ian Alteveer ha rastreado la palabra maid, recurrente en sus títulos, hasta sus años de estudiante en Londres, cuando pagaba las cuentas limpiando casas. En 2014 dejó Gagosian discretamente, empezó a trabajar con Andrea Crane, exdirectora de la galería, y repartió su obra entre Paula Cooper, en Nueva York, y Thomas Dane, en Londres. «Quizá habría sido mejor involucrarme más y no haber cedido tanto poder», dijo sobre ese cambio.

El ajuste de cuentas llegó en el Metropolitan Museum of Art. Cecily Brown: Death and the Maid, curada por Alteveer y abierta de abril a diciembre de 2023, fue su primera retrospectiva museística de amplio alcance en Nueva York, organizada en torno a calaveras y bellezas que se contemplan en espejos. Brown confesó que sentía «el síndrome de la impostora en su máxima expresión» antes de la inauguración. Smith fue tres veces y luego publicó una columna con el título «Me equivoqué sobre Cecily Brown», en la que admitió que había confundido la complejidad deliberada con el desorden porque nunca se había permitido mirar con calma.

El mercado había dejado de esperar a los críticos mucho antes. Suddenly Last Summer se vendió por unos 6,8 millones de dólares en Sotheby’s en 2018 y, en noviembre de 2025, High Society, un cuadro de la época de los conejitos, alcanzó los 9,81 millones de dólares en Sotheby’s New York, superando su récord anterior en un 44 por ciento. También ha dirigido esa influencia hacia otras causas: en 2021 donó There’ll be bluebirds, que recaudó 3,5 millones de libras en Christie’s para ClientEarth, una organización benéfica dedicada al derecho ambiental.

Por eso importa la respuesta a Cecily Brown: Picture Making, en Serpentine South, de marzo a septiembre de 2026. Su primera gran muestra de pinturas en un museo británico desde Modern Art Oxford, en 2005, dio una nueva forma a la vieja crítica. The Arts Desk consideró que la mejor obra de la exposición era un cuadro pintado más de veinte años atrás, calificó los lienzos más recientes de «pesados e inertes» y descartó la serie de paseos por la naturaleza como «un cliché pintoresco». Cultbytes tituló su reseña con la idea de que Brown estaba bajando el voltaje erótico. La queja ahora es que dejó de ser la pintora por la que la gente pagaba. Es una acusación más extraña que la que hizo Smith en 2000, y dice tanto de la marca como de las pinceladas.

No ha bajado el ritmo para responderles. A sunset, a ruin, a crowd, and a battle, su cuarta exposición con Thomas Dane y la segunda en la sede de Nápoles, abrió el 29 de septiembre y estará abierta hasta el 19 de diciembre de 2026. Sus treinta pinturas y dibujos nuevos pasan del parque de su muestra londinense a las playas de un verano europeo. La pieza central, Sorrento Sunset, mide casi cuatro metros de ancho: una ciudad turística abarrotada donde los visitantes luchan por sacarse una selfie a contraluz. Durante el verano, el Cranbrook Art Museum de Michigan colgó uno de sus grandes lienzos junto a obras de Joan Mitchell y Sam Gilliam, los artistas con quienes la han comparado durante mucho tiempo.

Brown vive en Nueva York con su esposo, el crítico de arquitectura Nicolai Ouroussoff, con quien se casó en 2008; su hija nació al año siguiente. Trabaja en un estudio cerca de Union Square y dice que puede pasar de un lienzo grande a una acuarela y luego a un grabado en un solo día.

Nápoles podría terminar siendo la respuesta a Londres. Los cuerpos han vuelto, en multitudes, solo que ahora están bronceados, sostienen teléfonos y hacen fila para pedir cócteles. La pregunta abierta para la próxima década es si los coleccionistas que querían a los amantes entre la maleza también querrán a la multitud en la playa. Brown ya respondió con pintura.

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