Duncan Grant, el pintor de Bloomsbury que todos describieron y pocos miraron

Duncan Grant

Photo: Unknown authorUnknown author / Public domain, via Wikimedia Commons

Nacimiento	21 de enero de 1885 Rothiemurchus, Aviemore, Scotland
Fallecimiento	8 de mayo de 1978 (93)
Ocupación	Pintor y diseñador
Premios	Diseñador Real de la Industria

La mayoría de los lectores conoce a Duncan Grant como personaje de los libros de otros. Es el apuesto primo en las cartas de Lytton Strachey, uno de los grandes amores de John Maynard Keynes, el pintor que se mudó con Vanessa Bell y el padre cuya hija no supo quién era. Los escritores de Bloomsbury escribieron sobre él sin descanso. Pocos dedicaron tanto tiempo a mirar sus cuadros.

Ese desequilibrio es el problema contra el que su obra todavía tiene que defenderse. Grant pintó lienzos, pero también puertas, cabeceras de cama, chimeneas, mesas, muros de iglesias, platos y las telas de las sillas; en Charleston, la casa de campo de Sussex que compartió con Bell, la propia casa se convirtió en el cuadro. Más tarde, los críticos usaron esa amplitud para encasillarlo como «decorativo». Tate Britain ahora la pone en el centro de la historia.

Duncan James Corrowr Grant nació el 21 de enero de 1885 en Rothiemurchus, cerca de Aviemore, en las Tierras Altas de Escocia. Era hijo de un oficial del ejército, el mayor Bartle Grant, y pasó buena parte de su primera infancia en India y Birmania. Lo enviaron a estudiar a Inglaterra y se fue a vivir con su tía, Lady Strachey, en cuya casa también vivía su primo Lytton. Fue su tía quien convenció a sus padres de permitirle estudiar arte. En 1902 ingresó en la Westminster School of Art, copió los frescos de Masaccio en Florencia, estudió en París en la Académie de La Palette de Jacques-Émile Blanche en 1906 y cursó varios periodos en la Slade. En 1909 visitó a Matisse.

Para entonces ya había encontrado su círculo. Vivía en Fitzroy Square, a unas cuantas puertas de Virginia y Adrian Stephen, y en 1910 se sumó a ellos en la farsa del Dreadnought: disfrazado con túnicas y maquillaje oscuro, se hizo pasar por integrante de un grupo ficticio de miembros de la realeza abisinia que visitaba el buque insignia de la Royal Navy. Ese mismo año llegó a Londres la exposición de Roger Fry Manet and the Post-Impressionists, y Grant encontró en Cézanne y Matisse la libertad para aplanar, simplificar y exagerar. Para la decoración del comedor del Borough Polytechnic que Fry realizó en 1911, pintó Bathing y Football; The Times señaló que había usado su dominio del dibujo «para representar el acto de nadar, más que a nadadores individuales». En 1912 expuso junto a Cézanne, Gauguin y Van Gogh en la Segunda Exposición Postimpresionista.

Los Omega Workshops de Fry, fundados en 1913 con Grant y Bell como codirectores, llevaron ese lenguaje a vasijas, abanicos, biombos, sillas y armarios. En esos mismos meses, su pintura fue aún más lejos. Group at Asheham convirtió a sus amigos en ritmo, y The Mantelpiece, pintado al mismo tiempo que la versión de Bell del mismo motivo, muestra lo mucho que se habían acercado sus pinceladas. Su Abstract Kinetic Collage Painting with Sound, un rollo de formas de colores de más de cuatro metros de largo, debía pasar frente a una abertura para mirar al ritmo de la música de Bach. Es una de las primeras obras abstractas realizadas en Gran Bretaña; más tarde, Tate la reconstruyó en movimiento.

La guerra definió el rumbo de su vida. Como objetor de conciencia, en 1916 se fue a trabajar a una granja frutícola de Suffolk con su amante, David Garnett, y luego a Charleston, la casa de campo cerca de Firle que había encontrado Bell. El hogar que se formó allí desafiaba las reglas de la época, y Clive Bell, todavía esposo de Vanessa, llegaba para quedarse largas temporadas. Angelica, hija de Grant y Bell, nació en la Navidad de 1918 y creció creyendo que Clive era su padre. Grant mantuvo casi siempre relaciones con hombres, pero permaneció junto a Bell hasta la muerte de ella y pintó durante décadas en el mismo estudio.

Entre las dos guerras, su prestigio alcanzó su punto más alto. Tuvo su primera exposición individual en la Carfax Gallery en 1920 y representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 1926 y 1932. Cuadros como The Hammock dejaron atrás la experimentación en favor de un naturalismo cálido y distendido. Junto con Bell, creó para Kenneth Clark el Famous Women Dinner Service entre 1932 y 1934: cincuenta platos pintados a mano, desde Jane Austen hasta Cleopatra. El revés llegó en 1936, cuando Cunard rechazó los paneles y las telas que había diseñado para el salón de primera clase del RMS Queen Mary. «La compañía simplemente dijo que no eran adecuados, me pagó los honorarios y ahí quedó todo», recordó.

Las críticas contra Grant empezaron pronto y se quedaron. Wyndham Lewis abandonó los Omega durante su primer año y convirtió la disputa en un ataque público contra el círculo de Fry. La sospecha de que los pintores de Bloomsbury recibían elogios principalmente de sus amigos —primero Fry y, más adelante, Clark— persiguió a Grant durante décadas. Después de la Segunda Guerra Mundial, su pintura figurativa y sensual parecía propia de otra época junto a la abstracción y, más tarde, el pop; su prestigio cayó durante las décadas de 1950 y 1960. Parte de esas críticas es justa: los cuadros de caballete tardíos a menudo repiten los anteriores. El argumento más débil es el que considera una puerta pintada una obra menor que un lienzo, precisamente la jerarquía que Grant pasó la vida ignorando. Su recuperación comenzó a fines de la década de 1960, cuando volvió a ganar terreno la figuración.

Mientras tanto, siguieron llegando encargos públicos. En 1941 recibió el título de diseñador real para la industria por sus telas estampadas, pintó la catedral de San Pablo durante el Blitz para el War Artists’ Advisory Committee y tomó la iniciativa cuando el obispo George Bell, de Chichester, invitó a los pintores de Charleston a decorar la pequeña iglesia de Berwick. Allí, Grant pintó a Cristo en Gloria sobre el arco del presbiterio. Para la capilla Russell de la catedral de Lincoln, inaugurada en 1959, tomó como modelo de Cristo al poeta Paul Roche, su compañero desde 1946. Más tarde, la capilla se cerró y durante años se usó como bodega, antes de volver a abrir.

La parte más íntima de la obra fue la que más tardó en salir a la luz. En 1959, Grant le entregó a su amigo, el pintor Edward Le Bas, una carpeta con más de cuatrocientos dibujos eróticos de hombres, marcada «muy privado», realizados cuando las relaciones sexuales entre hombres todavía eran un delito en Gran Bretaña. Durante mucho tiempo se creyó que habían sido destruidos; pasaron por varias manos hasta que el escenógrafo Norman Coates se los donó a Charleston en 2020. Una selección se exhibió allí en Very Private? en 2022. Después de la muerte de Bell, en 1961, Grant permaneció en Charleston con la ayuda de Roche. Murió el 8 de mayo de 1978 en la casa de Roche, en Aldermaston, a los noventa y tres años, y está enterrado junto a Bell en el cementerio de Firle.

Del 12 de noviembre de 2026 al 11 de abril de 2027, Vanessa Bell & Duncan Grant: Inside Bloomsbury, en Tate Britain, reúne más de trescientas obras y, por primera vez, lleva al museo el estudio de Charleston que ambos compartieron hasta 1939, mientras se restaura la casa de campo; los desnudos de Grant, ocultos durante tanto tiempo, estarán en las paredes. Lo que su obra defendió desde el principio queda ahora a la vista: que la habitación donde las personas viven y aman es un tema digno del arte serio, y también una superficie digna de ser pintada.

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