Charles Baudelaire, el poeta que buscó lo bello en el fondo del abismo

Charles Baudelaire

Photo: Étienne Carjat / CC0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	9 de abril de 1821 Paris, France
Fallecimiento	31 de agosto de 1867 (46)
Ocupación	Poeta, ensayista, crítico de arte

En el último año de su vida, Charles Baudelaire apenas podía hablar. Un derrame cerebral en Bruselas en 1866 le había arrebatado las palabras —todas excepto una, una obscenidad que aún podía pronunciar a voluntad, y que solía emitir con cierta regularidad cuando llegaban visitas a la casa de reposo en París. Su oído permanecía intacto. Podía escuchar a Schubert interpretado para él por amigos admiradores. No podía responder más que con esa única palabra, que, dependiendo de tu relación con su poesía, era un epílogo grotesco o un capítulo final perfectamente coherente.

Nació en París en abril de 1821, hijo de un funcionario público jubilado que murió cuando Baudelaire tenía seis años, y de una madre que rápidamente se volvió a casar con el general Jacques Aupick, un militar a quien Baudelaire despreció el resto de su vida. Esa experiencia temprana —la pérdida del padre, el reemplazo por un hombre de orden y ambición— se incrustó en su sensibilidad. La sensación de que la belleza ya está comprometida, de que lo que amas te será arrebatado o sustituido por algo respetable y militarista, está presente en casi todos los poemas que escribió. Asistió al Liceo Louis-le-Grand de París, de donde fue expulsado por negarse a entregar una nota que otro estudiante le había pasado: un pequeño acto de desafío que prefiguró toda su carrera.

De vuelta en París tras un viaje al Océano Índico que sus padres habían organizado con la esperanza de reformarlo —desembarcó en Reunión y regresó antes de tiempo—, a los veintiún años recibió una herencia sustancial. La gastó modelándose a sí mismo como un dandi: coleccionando cuadros, acumulando deudas, frecuentando cafés y galerías de arte. También comenzó su relación con Jeanne Duval, una actriz mestiza que aparece a lo largo de Las flores del mal como una figura simultáneamente de intensidad erótica y amenaza existencial. Estuvieron juntos, de manera intermitente, durante casi veinticinco años, a través de la mala salud de ella y la pobreza de él, a través de largas separaciones y regresos que nunca pudo explicar del todo.

La publicación de Las flores del mal en 1857 le trajo a Baudelaire exactamente el tipo de fama equivocada. El gobierno francés lo procesó a él, a su editor y a su impresor por ofender la moral pública. Se ordenó la supresión de seis poemas. Pagó una multa que apenas podía costear, y el veredicto se mantuvo durante casi un siglo —hasta mayo de 1949, cuando los tribunales franceses finalmente revocaron la sentencia y restituyeron los versos prohibidos. Lo que el juicio confirmó, inadvertidamente, fue lo que él siempre había afirmado: que el arte más honesto habita en espacios que la sociedad educada se niega a reconocer. La colección que había pasado casi veinte años armando no estaba organizada como una antología sino como un mapa moral —ciclos titulados «Esplín e ideal», «Cuadros parisinos», «El vino», «Las flores del mal», «Rebelión», «La muerte»— una estructura que se movía de la aspiración a la degradación sin fingir que ambos eran destinos separados. La segunda edición ampliada de 1861, que añadió treinta y dos poemas nuevos, refinó esta arquitectura en la forma que define el libro hoy.

Junto a su poesía, Baudelaire fue uno de los críticos de arte más relevantes de su época. Defendió a Eugène Delacroix como el pintor que entendía la pasión sin perder el dominio de la forma, y apoyó a Édouard Manet cuando la mayoría de los críticos parisinos aún se escandalizaban con su obra. Su ensayo Le Peintre de la vie moderne, publicado en 1863 y construido en torno al ilustrador Constantin Guys como figura del artista moderno, articuló algo que daría forma al pensamiento artístico durante los siguientes cien años: que la modernidad misma —lo efímero, lo fugitivo, el momento contingente— no era un obstáculo para el arte serio sino su verdadero tema. También pasó casi dos décadas traduciendo a Edgar Allan Poe al francés, produciendo cinco volúmenes entre 1856 y 1865. Lo que hicieron las traducciones no fue simplemente introducir a Poe a los lectores franceses; construyeron un Poe optimizado para lo que la cultura literaria francesa necesitaba —una visión de la culpa, la belleza y la descomposición de la mente racional que le dio a Arthur Rimbaud, Paul Verlaine y Stéphane Mallarmé un espejo transatlántico de lo que ya estaban llegando a ser.

La versión estándar de Baudelaire lo trata como un proto-simbolista, un heraldo del modernismo, un hombre adelantado a su tiempo. Esa lectura, aunque precisa hasta cierto punto, pasa por alto algo. También fue un hombre de contradicciones profundas e irreconciliables. Escribió contra la burguesía desde una posición de comodidad burguesa prestada. Arremetió contra la hipocresía en poemas cuya tensión dependía del marco moral católico que decía rechazar. Su misoginia es visible en la poesía incluso cuando las mujeres en ella son tratadas con reverencia formal. Su correspondencia contiene declaraciones de racismo antinegro que no pueden conciliarse con su relación de décadas con Jeanne Duval ni con su declarada admiración por ciertas formas de arte africano. Tomarlo en serio como poeta requiere sostener ambas cosas —el genio formal y el fracaso moral— sin usar una para cancelar la otra. Esa tensión, también, es parte de lo que la obra argumenta.

Los poemas en prosa que armó durante las décadas de 1850 y 1860, publicados póstumamente en 1869 como Le Spleen de Paris, extendieron su proyecto a una forma sin precedentes establecidos: no ensayos, no cuentos, no letras —objetos en prosa que llevaban tensión poética sin forma poética. Les Paradis artificiels, publicado en 1860, meditaba sobre el hachís y el opio como rutas hacia la trascendencia involuntaria. Ambos libros, considerados junto con sus traducciones de Poe, dejan claro que su interés por lo artificial, lo degradado y lo formalmente transgresor no era una pose sino una investigación sostenida sobre lo que la experiencia es realmente cuando se la despoja de sus significados convencionales.

Murió en París el 31 de agosto de 1867, a los cuarenta y seis años. Jeanne Duval le sobrevivió. Su madre le sobrevivió. Lo que dejó no fue una escuela —no fundó nada deliberadamente, no formó a nadie formalmente— sino una forma de ver en la que la belleza y la corrupción no son opuestos. Cada poeta que vino después y escribió desde una posición de incomodidad con lo que se permite que la belleza signifique estaba trabajando, a sabiendas o no, en el espacio que él abrió.

Etiquetas: art, artists, Charles Baudelaire, edgar allan poe, El spleen de París, Jeanne Duval

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