Todo biopic musical acaba llegando al mismo momento: el actor se acerca al micrófono y la película tiene que decidir qué voz se escucha. Desde hace casi un siglo, el género ha respondido de tres maneras: usar las grabaciones del cantante real, mezclarlas con la voz del actor o dejar que este cante en vivo. Y cada respuesta dice más sobre su época que cualquier peluca de época. También explica por qué un género al que suelen tachar de predecible sigue dando algunos de los mayores éxitos de Hollywood.

Un biopic musical dramatiza la vida de un músico real y usa sus canciones como columna vertebral de la historia. Su mito de origen es The Jazz Singer, el hito de Warner Bros. al que por lo general se reconoce como el primer largometraje con diálogo sincronizado, en el que Al Jolson canta y luego pronuncia la frase “You ain’t heard nothin’ yet”. En rigor, no es un biopic: Samson Raphaelson escribió la historia después de ver a Jolson en el escenario, y Warner promocionó la película como una biografía de su estrella, cuyo padre, cantor religioso, se había opuesto a su carrera en el espectáculo.

El género propiamente dicho nació cuando Hollywood convirtió esa vida en una película de verdad. En The Jolson Story (1946), Columbia eligió a Larry Parks para interpretar al cantante, mientras que la propia voz de Jolson puso las canciones; Parks recibió una nominación al Oscar a mejor actor por una actuación construida sobre las grabaciones de otro hombre. La fórmula de la era de los estudios ya se había establecido con Yankee Doodle Dandy (1942), que le dio a James Cagney el Oscar a mejor actor por interpretar a George M. Cohan: comienzos humildes, un gran salto, una crisis y un número final triunfal.

El método de prestar una voz nunca desapareció. Jamie Foxx ganó el Oscar a mejor actor por Ray, actuando sobre las grabaciones del propio Ray Charles, y Marion Cotillard ganó el Oscar a mejor actriz por imitar en La Vie en Rose las grabaciones de Édith Piaf y las de la cantante Jil Aigrot. Pero, cada vez más, el prestigio empezó a recaer en actores que cantaban con su propia voz. Sissy Spacek ganó el Oscar por Coal Miner’s Daughter usando su voz para interpretar a Loretta Lynn; Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon cantaron como Johnny Cash y June Carter en Walk the Line, que le valió a Witherspoon el Oscar a mejor actriz; y Timothée Chalamet tocó la guitarra y la armónica, y cantó en vivo durante el rodaje como Bob Dylan en A Complete Unknown, película que obtuvo ocho nominaciones al Oscar.

La era de los éxitos de taquilla se decantó por una mezcla. El Freddie Mercury de Rami Malek en Bohemian Rhapsody combina la voz de Malek con las cintas maestras de Mercury y la voz del cantante Marc Martel: “una amalgama de varias voces”, como dijo Malek. La película recaudó más de 900 millones de dólares en todo el mundo. Ese modelo solo funciona cuando se tienen los derechos musicales, por eso el músico o sus herederos suelen formar parte de la producción: Brian May y Roger Taylor, de Queen, en Bohemian Rhapsody, y Elton John como productor ejecutivo de Rocketman.

Las apuestas comerciales nunca habían sido tan altas. Michael, la película de Antoine Fuqua protagonizada por Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson, superó los mil millones de dólares en todo el mundo este verano, desplazó a Bohemian Rhapsody como el biopic musical más taquillero y superó a Oppenheimer como el biopic más taquillero de cualquier tipo.

Ahora llega la versión más audaz de ese viejo pacto: el proyecto de Sam Mendes sobre los Beatles, compuesto por cuatro películas, cada una contada desde el punto de vista de un integrante de la banda. Las cuatro llegarán a los cines en abril de 2028, con Apple Corps y los Beatles que siguen vivos otorgando todos los derechos sobre sus historias de vida y su música. Casi un siglo después de la primera frase hablada de Jolson, la pregunta más antigua del género tiene ahora cuatro voces que responderla.