Sam Mendes: de su primer Óscar a cuatro biopics de los Beatles a la vez

Sam Mendes

Photo: Frankie Fouganthin / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	1 de agosto de 1965 Reading, England
Ocupación	Director de cine
Conocido por	1917, Belleza Americana, 007: Operación Skyfall
Premios	2 Óscar · 2 Globo de Oro · 2 BAFTA · 2 Premio Tony

Quienes estaban viendo en aquel entonces recuerdan que American Beauty se sintió como una declaración de principios — demasiado precisa para ser un accidente, demasiado segura de su propia provocación para pertenecer a un director primerizo. Sam Mendes nunca había hecho una película antes. Había pasado su vida adulta en el teatro. Y luego ganó el Oscar, y el cine pasó la siguiente década tratando de decidir qué tipo de cineasta había descubierto realmente.

Nació en Reading, creció en el norte de Londres después de que sus padres se divorciaran temprano — su padre era profesor universitario de ascendencia trinitense, su madre autora de libros infantiles — y encontró el escenario antes de que las cámaras fueran siquiera una consideración. En Peterhouse College, Cambridge, donde se graduó con honores en inglés, dirigió obras con ese tipo de confianza institucional que normalmente se aprende mucho más tarde. En el Chichester Festival Theatre, luego en la Royal Shakespeare Company, avanzó tan rápido que a los veinticuatro años fue nombrado director artístico del Donmar Warehouse en Londres.

Su década en el Donmar — uno de los escenarios más pequeños e influyentes del mundo angloparlante — se convirtió en el laboratorio de todo lo que distingue a sus películas: el uso del espacio para comprimir el peso emocional, la larga preparación antes de la revelación, la sensación de que forma y contenido no son preguntas separadas. Dirigió a Judi Dench en The Cherry Orchard, ganó el Critics Circle Award al Mejor Nuevo Talento, y construyó una reputación lo suficientemente específica como para que cuando DreamWorks buscó a alguien para dirigir un guion sobre la crisis de mediana edad de un padre suburbano, la oferta no fuera tan extraña como podría haber parecido.

American Beauty llegó con un timing perfecto y ese tipo de control formal sostenido que las primeras películas casi nunca tienen. El Lester Burnham de Kevin Spacey, narrando su propia muerte, se convirtió en la imagen de la incomodidad de una época consigo misma. La película se llevó cinco Oscar, incluyendo Mejor Director y Mejor Película. Lo que siguió — y que nadie predijo del todo — fue el arco que crearía el triunfo. La reacción llegó lentamente: primero en forma de reevaluación crítica, luego más decisivamente con las acusaciones contra Kevin Spacey que complicaron retroactivamente cada escena que contiene la película. El propio Mendes ha abordado esto con la franqueza de alguien que hizo la película de buena fe y no puede deshacer lo que se convirtió. Sigue siendo uno de los debuts más formalmente logrados del cine de estudio estadounidense, sea lo que sea ahora.

Road to Perdition (2002) fue más lenta, más fría y más ambiciosa cinematográficamente — una película que demostró que el debut no fue suerte. Conrad Hall la fotografió. Thomas Newman la musicalizó. Tom Hanks interpretó a un sicario de la mafia tratando de proteger a su hijo. Fue el tipo de segunda película que muestra a un director que ha pensado seriamente en lo que el cine puede hacer, más que en lo que suele hacer. Jarhead (2005) convirtió la Guerra del Golfo en un ensayo sobre el aburrimiento institucional y la mecánica de la deshumanización. Revolutionary Road (2008) lo reunió con la asfixia suburbana de su debut, esta vez con Kate Winslet cargando el peso que antes había llevado Spacey. Away We Go (2009) fue más pequeña, más tranquila, el tipo de película que los críticos encuentran difícil de categorizar y el público encuentra fácil de amar.

La comisión de Bond es donde el consenso crítico sobre Mendes siempre ha sido más difícil de estabilizar. Skyfall (2012) es ampliamente considerada una de las mejores películas en la historia de sesenta años de la franquicia — una obra que utiliza la infraestructura de Bond para preguntar algo genuinamente incómodo sobre el legado, la obsolescencia y el precio de la lealtad. Spectre (2015) no aterrizó con la misma fuerza, aunque las dos películas son más consistentes internamente de lo que sugiere la brecha de recepción. Lo que demostró el período Bond es que Mendes puede dirigir a gran escala sin perder el control que hace que sus películas íntimas funcionen — una combinación más rara de lo que la industria supone.

La acusación que lo persigue — que sus películas son técnicamente brillantes pero emocionalmente frías, que el oficio supera al sentimiento — se ha hecho con la suficiente frecuencia como para que valga la pena tomarla en serio. No es del todo incorrecta. Sus películas están controladas de una manera que algunas audiencias experimentan como distancia. Pero el control, en el cine, es una elección con un costo y un propósito. En el caso de Mendes, el propósito es la precisión sobre cómo las personas construyen y luego sobreviven a la lenta destrucción de las vidas que querían — que es el tema al que vuelven la mayoría de sus películas, ya sea el escenario un jardín suburbano, una trinchera de la Primera Guerra Mundial o un cine junto al mar en la Inglaterra de los años ochenta.

En 2019, 1917 zanjó parte de ese debate. Rodada para parecer un único plano continuo — un logro técnico que habría consumido por completo la atención de cualquier director — ganó siete BAFTA, dos Globos de Oro y el tipo de éxito popular que la más pequeña y extraña Empire of Light (2022) deliberadamente declinó buscar. Esa película, ambientada en un cine costero durante los primeros años de Thatcher, fue malinterpretada por la mayoría de los críticos como nostálgica. Está más cerca de un argumento sobre lo que las imágenes en movimiento les hacen a las personas que no tienen otro lugar adonde ir.

Su trabajo teatral ha corrido en paralelo sin interrupción. The Ferryman, ambientada durante el Conflicto de Irlanda del Norte, le valió su primer Tony Award a la Mejor Dirección de una Obra en 2019. The Lehman Trilogy — la épica de Stefano Massini que narra el ascenso y la caída del banco que ayudó a detonar la crisis financiera de 2008 — le valió un segundo Tony en 2022. Es el trabajo que aborda más directamente el tema que recorre todas sus películas: lo que sucede con las personas que confunden la maquinaria que construyeron con algo permanente.

Actualmente se encuentra en producción del proyecto más ambicioso de su carrera y, posiblemente, de cualquier director británico trabajando hoy: cuatro películas biográficas simultáneas sobre los cuatro Beatles, cada una contada desde la perspectiva de un miembro, cada una dirigida por él mismo. Paul Mescal interpreta a Paul McCartney, Harris Dickinson a John Lennon, Joseph Quinn a George Harrison, Barry Keoghan a Ringo Starr. El rodaje está en marcha en los estudios Abbey Road de Londres. Las cuatro películas están programadas para estreno en cines en abril de 2028. Son los primeros largometrajes narrativos en asegurar los derechos del catálogo musical completo de los Beatles — lo que significa que, si funcionan, funcionan como nada parecido ha funcionado antes.