Gore Verbinski: de El aro y Piratas del Caribe a nueve años lejos de Hollywood

Gore Verbinski

Photo: Raccoonpawz / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	16 de marzo de 1964 Oak Ridge, Tennessee, United States
Ocupación	Director de cine
Conocido por	Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra, Piratas del Caribe 2: El Cofre de la Muerte, Piratas del Caribe 3: En el Fin del Mundo
Premios	Óscar · BAFTA · Annie Award for Writing in a Feature Production · Cannes Lions Silver Lion

Durante casi una década, Gore Verbinski fue el director al que Hollywood recurría cuando una idea parecía demasiado extraña como para confiar en ella. Sobre el papel, una nueva versión estadounidense de una historia japonesa de fantasmas y una película basada en un paseo en bote de Disneyland parecían apuestas desastrosas; en sus manos, se convirtieron en dos de las películas más rentables de su época, y un western sobre un camaleón le valió un Oscar. Después, la maquinaria del estudio que había dependido de él cambió de forma, y pasó nueve años sin estrenar una película. Su regreso, Good Luck, Have Fun, Don’t Die, lleva a Sam Rockwell a un restaurante de Los Ángeles como un hombre proveniente de un futuro devastado por la inteligencia artificial, que recluta a desconocidos para detenerla. No cuesta mucho leer la película como un autorretrato: un creador de espectáculos artesanales que vuelve tras una larga ausencia y advierte a quien quiera escucharlo sobre lo que las máquinas están a punto de hacer.

El artesano creció en la casa de un científico. Oak Ridge, Tennessee, donde Gregor Justin Verbinski nació como el cuarto de cinco hijos, era una ciudad organizada en torno a su laboratorio nacional, y su padre, Victor Verbinski, trabajaba allí como físico nuclear. La familia se mudó al sur de California cuando él tenía tres años y se instaló en La Jolla, donde surfeaba y empezó a tocar en bandas punk. En Los Ángeles tocó con grupos como Daredevils y Little Kings, que acompañaron a Stiv Bators en un sencillo para Bomp! Records.

Tenía 23 años cuando se graduó en cine en UCLA, en 1987; había nacido el 16 de marzo de 1964. Trabajó como lector de guiones y el director Julien Temple lo contrató para la productora Nitrate Films. Sus contactos en el mundo punk dieron frutos en videos musicales para NOFX, Bad Religion y Monster Magnet, y después en la publicidad, donde filmó el comercial de Budweiser en el que tres ranas de pantano croan el nombre de la marca, una sílaba a la vez. Ese anuncio y el resto de su portafolio publicitario le valieron cuatro premios Clio y un León de Plata en Cannes. También le enseñaron a construir con sus propias manos cada chiste y cada sobresalto.

Su primer largometraje, Un ratoncito duro de cazar, con Nathan Lane y Lee Evans como dos hermanos que pierden una guerra contra un solo roedor, fue un éxito familiar que le permitió saltarse el aprendizaje habitual. La mexicana, que reunió a Julia Roberts y Brad Pitt, recibió críticas divididas. El giro llegó con El aro, su nueva versión de Ringu, de Hideo Nakata, en la que Naomi Watts interpreta a una reportera que sigue la pista de un videocasete maldito y David Dorfman, a su hijo de inquietante serenidad. Verbinski sustituyó los sustos repentinos por una luz gris y húmeda y por el silencio; la película recaudó más de 200 millones de dólares en todo el mundo y abrió la puerta a una oleada de nuevas versiones hollywoodenses del cine de terror asiático.

Entonces, el productor Jerry Bruckheimer le entregó el proyecto que nadie en la industria consideraba prometedor: una película de piratas basada en una atracción de parque temático. Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra recaudó más de 600 millones de dólares en 2003, con el bamboleante capitán Jack Sparrow de Johnny Depp en el centro de la historia y esqueletos a la luz de la luna bajo el brillo de la atracción. Piratas del Caribe: El cofre de la muerte se convirtió en apenas la tercera película en superar los 1.000 millones de dólares en la taquilla mundial, y Piratas del Caribe: En el fin del mundo cerró su trilogía en 2007. Entre una y otra, hizo El sol de cada mañana, una melancólica comedia ambientada en Chicago, con Nicolas Cage, que recibió críticas entre mixtas y positivas, pero fracasó comercialmente: una primera señal de lo poco que su influencia se trasladaba a las películas más pequeñas.

Respondió a los años de franquicias con Rango, un western animado en el que Depp presta su voz a un camaleón doméstico que se abre paso a base de engaños hasta convertirse en sheriff de un pueblo del desierto. Industrial Light & Magic se encargó de la animación; el propio Verbinski dio voz a uno de los personajes, y el aspecto polvoriento y grotesco de la película debía más a Sergio Leone que a cualquier estudio familiar. Ganó el Oscar y el BAFTA a mejor película animada, y sigue siendo el ejemplo más claro de que su mirada era más extraña que sus presupuestos.

La crítica en su contra se apoya en lo que vino después. El Llanero Solitario reunió de nuevo a Depp y Bruckheimer con Verbinski, tras años de reescrituras y recortes presupuestarios, y llegó envuelta en una polémica de la que nunca logró desprenderse: Depp, una estrella blanca, interpretaba al nativo americano Tonto. La película recaudó unos 260 millones de dólares frente a un presupuesto de producción estimado entre 215 y 225 millones, sin contar el marketing, y se convirtió en uno de los fracasos más costosos de la década. Depp, Armie Hammer y Bruckheimer culparon a los críticos, quienes, según ellos, habían condenado la película antes de su estreno; Verbinski recibió una nominación al Razzie a peor director y, meses después, Quentin Tarantino incluyó la película entre las diez mejores del año. Luego, La cura siniestra, un thriller gótico ambientado en un sanatorio, con Dane DeHaan y Mia Goth, recaudó 26,6 millones de dólares con un presupuesto de 40 millones. Ambas películas tienen defensores que aprecian su duración y sus excesos. Para los estudios, parecían demostrar que sus métodos eran demasiado costosos, y sus proyectos vinculados a BioShock y a Gambit, de Marvel, terminaron sin convertirse en películas.

Ese es el contexto de Good Luck, Have Fun, Don’t Die, escrita por Matthew Robinson, con Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz y Juno Temple junto al profeta desaliñado de Rockwell. La compañía alemana Constantin Film financió la totalidad del presupuesto de 20 millones de dólares, y Blind Wink, la productora del propio Verbinski, estuvo entre las productoras. La película se estrenó en Fantastic Fest en septiembre de 2025, se proyectó como gala especial en la Berlinale y llegó a los cines de Estados Unidos el 13 de febrero de 2026, de la mano de Briarcliff Entertainment. Las críticas fueron favorables; Peter Debruge, de Variety, la calificó de «desbordante de inventiva», pero recaudó menos de 10 millones de dólares en todo el mundo. Durante la campaña de promoción, Verbinski ha discutido sobre las herramientas de su oficio. En una entrevista dijo que sustituir Maya por Unreal Engine era «el mayor retroceso» para los efectos visuales y, en junio, en el Festival de Cine de Taormina, propuso un sistema de clasificación para el uso de la IA en las películas. Ese mismo mes firmó con la agencia WME.

Lejos de los rodajes, Verbinski está casado con Clayton Verbinski y la pareja tiene dos hijos.

Lo que hará después sigue siendo una incógnita. Entre sus proyectos figuran una adaptación de The Gashlycrumb Tinies, de Edward Gorey; una versión de ocho episodios de The Stars My Destination, de Alfred Bester; una película animada de Sandkings, basada en el relato de George R. R. Martin y en desarrollo desde hace mucho tiempo; y «tres o cuatro guiones originales». También ha dicho que existen otros dos capítulos de la saga del restaurante, por si alguien los quiere. Ninguno tiene fecha de inicio y, para un director que alguna vez estuvo al frente de la maquinaria más grande de Hollywood, la pregunta es si la próxima se construirá dentro del sistema o al margen de él.