Adrien Brody, el ganador más joven del Oscar a mejor actor que volvió con el discurso más largo

Adrien Brody

Photo: PhilipRomanoPhoto / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	14 de abril de 1973 New York City, New York, USA
Ocupación	Actor
Conocido por	El Gran Hotel Budapest, El Pianista, El fantástico Sr. Zorro
Premios	Premio Satellite · Óscar · National Society of Film Critics Award for Best Actor · Boston Society of Film Critics Award for Best Actor · César · Black Reel Award for Best (compartido) · Globo de Oro · Time 100 · BAFTA · Critics Choice · New York Film Critics Circle Award for Best Actor · Ellis Island Medal of Honor

Dos noches marcan la vida pública de Adrien Brody, y ambas ocurrieron en el mismo escenario. En la primera, era un joven delgado, visiblemente aturdido, que subió los escalones a toda prisa, tomó a la presentadora y la besó; después hizo señas para que la orquesta dejara de tocar porque quería hablar de un amigo de Queens que servía como soldado en Kuwait. En la segunda, era un veterano de cabello canoso en las sienes, que le pasó el chicle a su pareja mientras subía y luego habló durante cinco minutos y cuarenta segundos: más que cualquiera que hubiera sostenido un micrófono con un Oscar en la mano. Una noche lo convirtió en el hombre más joven en ganar el premio a Mejor Actor. La otra, en autor del discurso de aceptación más largo en la historia de la ceremonia.

Lo que pasó entre esas dos noches es más difícil de resumir, y esa dificultad es lo más interesante de él. Hollywood le dio a Brody el tipo de premio que suele convertir a un actor en protagonista de una franquicia, y durante los veinte años siguientes él se negó a comportarse como tal. Interpretó a un ventrílocuo, a un guionista que persigue gorilas, a un villano de Wes Anderson con abrigo de cuero, a un pintor surrealista obsesionado con los rinocerontes y a un entrenador de básquetbol con el pelo engominado hacia atrás. Pintó peces y hot dogs y los vendió en ferias de arte. Escribió y compuso la música de un pequeño drama de venganza ambientado en el barrio donde creció. Cuando por fin llegó el segundo Oscar por The Brutalist, se recibió menos como un regreso que como un recordatorio: el hombre al que habían encasillado como una estrella de un solo papel simplemente había estado trabajando en otra parte.

El hijo de una fotógrafa en Queens

Adrien Nicholas Brody creció en Woodhaven, Queens, hijo único de dos personas que se tomaban muy en serio las imágenes. Su madre, Sylvia Plachy, es una fotógrafa nacida en Hungría cuyas imágenes aparecieron durante décadas en el Village Voice; de niña, salió de Budapest con sus padres después de la represión soviética de 1956. Su padre, Elliot Brody, daba clases de historia y pintaba; provenía de una familia de judíos polacos que perdió parientes durante el Holocausto. La propia Plachy fue criada por un padre católico y una madre judía cuya familia también había sufrido las consecuencias de la guerra. Brody nació el 14 de abril de 1973, en un hogar donde el desplazamiento era parte de la historia familiar y no una abstracción, y donde en la mesa se hablaba de composición, luz y memoria.

Pasó buena parte de su infancia siguiendo a su madre por Nueva York mientras ella trabajaba. Ha contado que, de niño, estar constantemente frente a la cámara lo acostumbró a sentirse cómodo frente a un lente, y que ver a su madre esperar el instante preciso le enseñó a tener paciencia antes de saber siquiera qué era actuar. Sus primeras actuaciones no fueron en un teatro. Anunciado como «The Amazing Adrien», hacía trucos de magia en fiestas de cumpleaños infantiles: un pequeño negocio basado en el arte de la distracción que, según contó después, fue su primera lección sobre cómo mantener la atención del público.

Sus padres lo impulsaron a tomar clases de actuación, en parte para mantenerlo ocupado y alejado de los problemas de un barrio donde no faltaban. A los trece años ya había aparecido en una producción Off-Broadway. Después estudió en Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts, la escuela de Manhattan cuya lista de exalumnos parece un directorio de casting, y tomó clases en la American Academy of Dramatic Arts. Tras graduarse, probó brevemente la universidad, primero en Stony Brook University y luego en Queens College, pero el trabajo ya lo estaba llamando.

Un largo aprendizaje

Su primer papel en pantalla llegó con Home at Last, una película para televisión de PBS de 1988, y ese mismo año fue elegido como integrante regular de la comedia de CBS Annie McGuire, que duró apenas unos cuantos episodios. Un año después tuvo un pequeño papel en el segmento de Francis Ford Coppola de la película de antología New York Stories. Nada de eso hacía pensar en lo que vendría y, durante casi toda la década siguiente, Brody trabajó como muchos actores jóvenes de Nueva York: de manera constante, en papeles que rara vez ocupaban el centro de la escena.

El trabajo que todavía señala como su verdadero comienzo llegó en 1993, cuando Steven Soderbergh lo eligió para King of the Hill, un drama de iniciación ambientado durante la Gran Depresión. Brody interpretó a Lester, un joven mayor encantador y algo peligroso, y el papel le permitió sentir por primera vez que la crítica reparaba en él. Después vinieron papeles secundarios en Angels in the Outfield y Bullet, un drama criminal en el que compartió pantalla con Mickey Rourke y Tupac Shakur. El cine independiente se lo tomó más en serio que los grandes estudios. Su actuación como cantinero y aspirante a dramaturgo en Restaurant le valió una nominación al Independent Spirit Award a Mejor Protagonista Masculino, y en 1999 apareció en dos retratos muy distintos de barrios estadounidenses: Summer of Sam, de Spike Lee, y Liberty Heights, de Barry Levinson.

La década también trajo el revés que moldeó su actitud frente a la industria. Terrence Malick lo eligió para interpretar al cabo Fife en The Thin Red Line, y durante un tiempo se entendió que el personaje sería el centro emocional de la película. Luego Malick pasó meses en la sala de edición y reorganizó el drama bélico alrededor de otros personajes; cuando se estrenó, Brody aparecía en pantalla apenas unos minutos y decía solo un par de líneas. Se enteró de los cortes, como es bien sabido, en el estreno. En entrevistas posteriores ha hablado del episodio con cierta generosidad y ha sugerido que la fama repentina a esa edad podría haberle hecho más daño que bien. También le dejó muy claro que un actor controla muy poco de lo que termina en pantalla, una lección que más adelante lo llevaría a producir y escribir.

The Pianist y el costo de la inmersión total

Roman Polanski había visto a Brody en Harrison’s Flowers, un drama bélico ambientado en los Balcanes, y en 2001 lo eligió para interpretar a Władysław Szpilman en The Pianist. Szpilman fue un pianista y compositor polaco judío que sobrevivió a la destrucción del gueto de Varsovia escondiéndose entre las ruinas de la ciudad; sus memorias exigían que un actor representara el hambre, el aislamiento y la lenta desaparición de la propia identidad. Brody se tomó esa exigencia al pie de la letra. Dejó su departamento y su auto, desconectó el teléfono y bajó alrededor de treinta libras, hasta pesar unos 130, con una complexión que ya era delgada. Practicó Chopin durante horas todos los días para que sus manos parecieran estar en casa sobre el teclado.

Ha hablado de los meses de preparación como una experiencia cercana a una crisis personal. Según contó, el aislamiento le dejó una sensación de pérdida y depresión que persistió mucho tiempo después de terminar el rodaje, y ha dicho que necesitó un largo periodo para volver a la vida cotidiana. La historia familiar también tuvo peso: Brody recurrió a lo que la familia de su padre había perdido en Polonia y a lo que su madre se había llevado de Hungría cuando era niña; nunca ha fingido que la película fuera solo otro papel.

El resultado fue una actuación de extraordinaria contención física y emocional que dio un vuelco a la temporada de premios. Brody había perdido el BAFTA, el Globo de Oro y el premio del Sindicato de Actores, pero en marzo de 2003 venció a Daniel Day-Lewis, Jack Nicholson, Michael Caine y Nicolas Cage y se llevó el Oscar a Mejor Actor. A los 29 años se convirtió en el ganador más joven en la historia de la categoría y, más de dos décadas después, sigue siendo el único ganador de Mejor Actor menor de treinta años. En Francia, la película también le dio el César a Mejor Actor: fue la primera vez que un actor estadounidense recibía ese premio. El beso que le plantó a Halle Berry cuando ella le entregó la estatuilla se convirtió en uno de los momentos más repetidos de la historia de los Oscar; en 2025, ambos lo recrearon en tono de broma en la alfombra roja, antes de la ceremonia.

Rechazar el camino obvio

El Oscar le abrió puertas y Brody cruzó varias de ellas a propósito en la dirección equivocada. En lugar de encadenar papeles protagónicos de prestigio, tomó una serie de decisiones que, desde fuera, parecían casi diseñadas para desconcertar. Interpretó a un ventrílocuo solitario en la comedia independiente Dummy. Aceptó el papel de Noah Percy, un joven con una discapacidad del desarrollo, en The Village, de M. Night Shyamalan. Fue un veterano de la Guerra del Golfo atrapado en un hospital de pesadilla en The Jacket y un detective de poca monta que investiga la muerte de George Reeves, el Superman de la televisión, en Hollywoodland.

La excepción fue King Kong, de Peter Jackson, en la que interpretó al guionista Jack Driscoll junto a Naomi Watts y un gorila generado por computadora de proporciones gigantescas. Fue el mayor éxito comercial de su carrera y demostró que podía encabezar una superproducción. No hizo otra después. En cambio, llegó la relación creativa más duradera de su vida profesional. Wes Anderson lo eligió como el hermano del medio, ansioso, en The Darjeeling Limited; después, como un ratón de campo en la película de animación cuadro por cuadro Fantastic Mr. Fox; y luego como Dmitri, el heredero asesino vestido de negro de The Grand Budapest Hotel. Volvió como marchante de arte en The French Dispatch y como director de teatro en Asteroid City. Los mundos precisos y inexpresivos de Anderson le iban bien a un actor capaz de hacer reír con la quietud, y le dieron un espacio para actuar sin cargar con todo el peso de una película.

En otros proyectos, sus elecciones siguieron dando giros. Interpretó a Salvador Dalí en Midnight in Paris, de Woody Allen, con una sola escena de extravagancia y fanfarronería obsesionada con los rinocerontes que el público todavía cita. Fue un ingeniero genético que toma una pésima decisión en Splice, de Vincenzo Natali, y un mercenario perseguido por una jungla alienígena en Predators. En Detachment, de Tony Kaye, ofreció una de sus actuaciones más vulnerables como maestro suplente que deambula por una escuela en crisis; también fue productor ejecutivo de la película. Por esos mismos años creó su propia productora, Fable House, y empezó a producir películas más pequeñas como Giallo, Wrecked y Manhattan Night.

La televisión y una segunda carrera a plena vista

Mucho antes de que la televisión de prestigio se convirtiera en el refugio obvio para los actores de cine, Brody ya la usaba para asumir riesgos mayores. En 2014 interpretó al escapista Harry Houdini en la miniserie de History Houdini, un papel que retomaba sus actos de magia de la infancia y le valió nominaciones al Primetime Emmy y al premio del Sindicato de Actores. En 2017 se incorporó a la cuarta temporada de Peaky Blinders como Luca Changretta, el mafioso neoyorquino que llega a Birmingham para saldar una vendetta contra la familia Shelby: una interpretación de amenaza teatral que los seguidores de la serie todavía discuten.

La racha continuó en la década de 2020. En Succession, de HBO, interpretó a Josh Aaronson, un inversionista activista que arrastra a Logan Roy en una humillante caminata por su isla privada; esos dos episodios le valieron una nominación al Emmy a Mejor Actor Invitado. Protagonizó la adaptación de Stephen King Chapelwaite como un viudo del siglo XIX que se muda a la casa maldita de su familia, y también fue productor ejecutivo de la serie. En Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty convirtió al entrenador Pat Riley en un estudio de la ambición y el gel para el cabello, y en la primera temporada de Poker Face, de Rian Johnson, interpretó al heredero de un casino junto a Natasha Lyonne. En cine, apareció como director de Hollywood en el misterio de asesinato See How They Run, como el dramaturgo Arthur Miller en Blonde y como villano en la comedia de acción Ghosted.

El proyecto más personal de ese periodo fue Clean, un drama de venganza de 2021 sobre un recolector de basura que intenta escapar de un pasado violento. Brody coescribió el guion, produjo la película, interpretó el papel principal y compuso la música; la ha descrito como un retrato del lado más áspero de la Nueva York donde creció. La película tuvo un éxito modesto, pero mostró hacia dónde apuntaban sus ambiciones: a la autoría, más que a la simple actuación. También escribió música para el documental Stone Barn Castle, sobre la histórica propiedad que compró y restauró en el norte del estado de Nueva York.

The Brutalist y una segunda noche en el escenario de los Oscar

The Brutalist, de Brady Corbet y escrita junto con Mona Fastvold, fue el tipo de proyecto que durante años parecía estar en la órbita de la carrera de Brody, sin llegar a concretarse del todo. Interpretó a László Tóth, un arquitecto ficticio húngaro judío que sobrevive a los campos de concentración, llega a Pensilvania después de la guerra y queda bajo el amparo de un rico industrial, Harrison Lee Van Buren, interpretado por Guy Pearce, quien poco a poco lo consume. Felicity Jones interpretó a Erzsébet, la esposa de Tóth. La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2024, donde Corbet ganó el León de Plata a Mejor Dirección, y dura unas tres horas y media, incluido un intermedio.

Para Brody, la historia tocaba una fibra demasiado cercana. La huida de Tóth de Hungría evocaba la de su madre y sus abuelos en la década de 1950, y contó que tomó elementos del acento de su abuelo para construir el inglés del personaje. También trazó un paralelo entre la visión artística intransigente del arquitecto y la dedicación de toda la vida de su madre a la fotografía. La película se rodó en VistaVision, un formato panorámico prácticamente abandonado desde la década de 1960, y se proyectó en 70 mm en un puñado de salas: una ambición técnica que se volvió parte de su reputación.

La temporada de premios que siguió estuvo a punto de ser perfecta. Brody ganó el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, el Globo de Oro a Mejor Actor en una Película Dramática, el premio Critics’ Choice y el BAFTA a Mejor Actor Protagónico. El 2 de marzo de 2025, en la 97.ª edición de los Premios de la Academia, ganó su segundo Oscar a Mejor Actor, veintidós años después del primero. La película se llevó tres Oscar en total, incluidos los premios a la fotografía de Lol Crawley y a la música de Daniel Blumberg. El historial de Brody ahora dice: dos nominaciones, dos premios.

Su discurso de aceptación duró cinco minutos y cuarenta segundos, y superó el récord que Greer Garson mantenía desde 1943. Cuando la orquesta empezó a tocar para indicarle que terminara, le pidió que se detuviera, como había hecho en 2003, y siguió hablando de los efectos persistentes de la guerra, del antisemitismo y el racismo, y de lo frágil que es una carrera en la que, como dijo, uno puede perderlo todo en cualquier momento. Agradeció a Georgina Chapman y a sus hijos, así como a sus padres. El discurso dividió al público: a algunos les pareció conmovedor; a otros, simplemente largo. Pocos lo olvidaron. Dos meses después, en mayo de 2025, recibió la Medalla de Honor de Ellis Island, un reconocimiento a estadounidenses cuyas vidas reflejan la historia inmigrante del país: un honor que encajaba con el recorrido del papel con una precisión poco común.

Lo que quedó fuera de la temporada de premios

El triunfo no estuvo libre de fricciones, y un recuento justo tiene que incluirlas. Semanas antes de los Oscar, el editor de la película reveló que se había usado una herramienta de inteligencia artificial para ajustar las voces del diálogo en húngaro de Brody y Jones, y sugirió que también se habían empleado herramientas generativas en algunas imágenes arquitectónicas. Corbet respondió que las actuaciones eran completamente de los actores y que el programa solo había afinado los sonidos vocálicos de un idioma notoriamente difícil para quienes no lo hablan como lengua materna; también afirmó que los edificios que aparecen en pantalla fueron dibujados a mano. La explicación no detuvo una discusión más amplia sobre dónde termina la posproducción aceptable, y The Brutalist se convirtió en tema de debate, independientemente de que su protagonista tuviera algo que ver con la decisión.

Los críticos también plantearon otras preguntas. Algunos especialistas en arquitectura sostuvieron que la película entendía mal el brutalismo, y otros señalaron que la biografía de Tóth toma muchos elementos de la vida del arquitecto real Marcel Breuer, aunque presenta a un personaje ficticio. En algunos sectores, la duración puso a prueba la paciencia del público. Y la propia reputación de Brody traía otra clase de complicación: con los años, algunos comentaristas han descrito como excesiva seriedad la misma intensidad que la crítica elogiaba en su trabajo, y la extensión de su discurso en los Oscar reavivó esa caricatura durante un ciclo de noticias. La ironía es que la actuación en sí era un ejercicio de contención, construido a partir de silencios y de un cuerpo que parece estar siempre preparado para recibir otro golpe.

El pintor que siempre se va del set

La pintura no es un pasatiempo para Brody, sino una práctica paralela con su propia trayectoria de exposiciones. Creció rodeado de los lienzos de su padre y las fotografías de su madre, y en cierto momento se apartó de la actuación durante un tiempo para dedicarse a pintar a tiempo completo. Sus exposiciones han llevado títulos como «Hooked», «Hotdogs, Hamburgers and Handguns» y «Metamorphosis: Transformations of the Soul», y su obra se inclina por imágenes de arte pop: peces en anzuelos, comida rápida y logotipos de marcas transformados en advertencias sobre el consumo, la violencia y el medioambiente. Algunas piezas se han vendido a precios elevados en subastas benéficas; los comentaristas en línea han sido más duros que los coleccionistas. Brody ha dicho que valora la pintura porque no tiene que responder ante nadie más, justo lo contrario de un rodaje, donde el trabajo de un actor está condicionado por directores, editores y departamentos de marketing.

La música va de la mano con la pintura. La música de Clean fue suya, al igual que la de Stone Barn Castle, y considera la composición otra forma de acercarse al mismo material que explora frente a la cámara. El hilo común es el control. En un lienzo o ante un teclado, nada de lo que crea puede reducirse a unos pocos minutos en una sala de edición, como le ocurrió a su primer gran papel; es difícil no ver al pintor y al compositor como la respuesta al joven actor de The Thin Red Line.

Del Donmar a Broadway

Después del segundo Oscar, lo obvio habría sido aprovecharlo aceptando ofertas para películas. Brody eligió el teatro. En el otoño de 2024, antes incluso de que la temporada de premios llegara a su punto más alto, debutó en los escenarios londinenses en el Donmar Warehouse con The Fear of 13, una obra de Lindsey Ferrentino sobre Nick Yarris, un hombre de Pensilvania que pasó más de dos décadas en el corredor de la muerte por un asesinato que no cometió, hasta que las pruebas de ADN lo exoneraron. La dirigió Justin Martin, y la actuación le valió a Brody una nominación al premio Laurence Olivier a Mejor Actor en 2025.

La producción llegó a Broadway en 2026 con un nuevo director, David Cromer, y una nueva coprotagonista, Tessa Thompson, quien interpretó a una voluntaria de prisión que cambia el rumbo de la vida de Yarris. Fue el debut en Broadway de ambos actores. Las funciones de preestreno comenzaron en el James Earl Jones Theatre el 19 de marzo de 2026, y la obra se estrenó el 15 de abril para una temporada limitada de dieciséis semanas. Los críticos estadounidenses fueron más reservados que sus colegas londinenses. La mayoría elogió a los dos protagonistas, aunque consideró que la obra estaba limitada por su propia estructura; cuando llegaron las nominaciones a los Tony en primavera, The Fear of 13 obtuvo solo dos, por diseño de iluminación y sonido. Brody quedó fuera de la categoría de Mejor Actor, en una de las omisiones más comentadas de la temporada. Para un actor que acababa de recibir elogios en todas partes, fue un recordatorio de que el teatro lleva sus propias cuentas y de que él había elegido someterse a su juicio.

Las próximas escenas

La agenda de Brody indica que no piensa bajar el ritmo. En mayo de 2026 se anunció que sería el protagonista de Last Dance, un drama sobre un padre y su hija dirigido por el brasileño Karim Aïnouz, con Rachel Zegler y Ben Platt. Interpreta a Elliot, un célebre compositor de Broadway que en 1991 invita a su hija a un crucero gay por el Caribe; Platt también escribirá música original para la película. Durante el verano estuvo en Zagreb rodando Snake Island, un thriller dirigido por Doug Liman y coprotagonizado por Sean Penn, inspirado en el sabotaje de 2022 a los gasoductos Nord Stream bajo el mar Báltico. El rodaje comenzó en julio y estaba previsto que terminara a fines de septiembre de 2026. También está vinculado a Emperor, el drama histórico de Lee Tamahori en el que interpreta al gobernante del siglo XVI Carlos V, un proyecto cuya fecha de estreno aún no se ha confirmado.

Vida privada

Brody protege su vida privada más de lo que podrían sugerir sus apariciones públicas. Tuvo una relación con la actriz española Elsa Pataky de 2006 a 2009 y, más adelante, con la modelo Lara Lieto durante varios años. Desde alrededor de 2019, su pareja es la diseñadora de moda inglesa Georgina Chapman, cofundadora de la marca Marchesa, a quien agradeció desde el escenario de los Oscar junto con sus dos hijos. Brody no tiene hijos propios. Sus padres siguen siendo una presencia constante: Sylvia Plachy lo ha fotografiado a lo largo de toda su vida y él rara vez habla de su trabajo sin mencionar lo que aprendió de ellos.

Un actor que no deja de cambiar el encuadre

Es tentador leer la carrera de Adrien Brody como una línea recta entre dos actuaciones marcadas por la sombra del Holocausto, The Pianist y The Brutalist, ambas nutridas por la historia familiar del hijo de una fotógrafa de Queens. Esa conexión existe y los dos Oscar hacen imposible ignorarla. Pero deja fuera casi todo lo que hizo entre una y otra: las comedias de Anderson, los villanos de televisión, las bandas sonoras y los lienzos, la pequeña película sobre un recolector de basura que él mismo escribió y la decisión de subirse a un escenario ocho veces por semana, ante críticos que no le debían nada. El ganador más joven de Mejor Actor en la historia se convirtió, dos décadas después, en quien más tiempo habló; en la distancia entre esos dos récords se ha estado escondiendo todo este tiempo el actor más interesante. Sus próximos desafíos ya están en el calendario: un drama en un crucero sobre un padre y su hija, y un thriller sobre buzos en el fondo del Báltico. Ninguno es el paso obvio para un ganador de dos Oscar. Brody casi nunca ha elegido el camino obvio.